Allen John's attic

Un tueur (Michael Fassbender, jamais nommé), rigoureux, méthodique et très très froid, est en passe d'effectuer une mission, mais elle dégénère: alors qu'à Paris, il allait atteindre un homme qui se trouve dans l'hôtel en face (dans une suite luxueuse), il atteint la prostituée avec laquelle ce dernier passait la soirée. Il échappe à la police, grâce à son sang-froid et sa préparation et s'n retourne chez lui, en République Dominicaine, où il constate que son domicile a été saccagé et sa petite amie agressée. Devinant qu'il s'agit de la rétribution de son ratage, il se lance dans une chasse aux responsables, tout en essayant bien sûr d'échapper à la chasse à l'homme dont il est l'objet...

Froid, donc, calculé, millimétré, le film est presque une synthèse d ela méthode Fincher, dans laquelle on sent le poids du contrôle du metteur en scène, mais aussi la cohérence de ses choix. Un point de vue permanent, rendu aussi lucide, précis et sensoriellement réduit à l'essentiel que possible, se déroule sous nos yeux. Le tout début du film, qui détaille de façon apparemment anecdotique les gestes de préparation, physique principalement, et la curiosité froide du tueur qui s'installe sur les lieux de son crime en exerçant son oeil à capter le moindre détail des alentours, nous renseigne en fait sur cet aspect. Tout ce qu'on verra ensuite durant les 119 minutes du film ressort donc de ce point de vue, celui d'un homme voué intégralement à ce "métier" qu'il exerce avec des principes directeurs à la rigidité parfois contrariée: respecter le plan; anticiper, pas d'improvisation; ne faire confiance à personne; ne mèner que le combat pour lequel on est payé... Bien sûr il pourra toujours prétendre qu'il n'y a rien de personnel, mais en l'occurrence, ce qu'il doit faire dans ce film, c'est quasiement tout le contraire; il est forcé à improviser, à réagir à l'imprévu et à se défendre, alors que ce n'est pas dans son éthique habituellement!

Il en ressortirait même un certain humour à dfroid, d'autant que la bande son nous habitue très vite à évoluer dans la pensée du bonhomme. Ainsi les plans qui le voient observer la rue au départ nous donnent-ils cette habitude: on le voit se placer à la fenêtre, la voix off nous explique qu'il aime la musique; le plan suivant nous montre ce qu'il aperçoit de la rue, accompagné par la musique des Smiths (le groupe préféré du tueur, qu'il écoute en permanence) qu'il a choisi de lancer sur son portable; le retour au plan initial nous prive soudain de la musique, et seuls les plans qui nous montrent ce qu'il voit, dans la séquence, seront ainsi dotés de musique: une façon directe, pédagogique dans sa simplicité, de nous indiquer sans faille que nous sommes désormais captés dans son point de vue. De même choisit-il, à l'instar de Hitchcock dans Rear window, de ne jamais franchir l'espace qui sépare le tueur de sa victime dans la brillante séquence du meurtre raté. On ne verra l'éautre côté donc la chambre d'hôtel, que de son point de vue...

Le jeu sur le regard devient donc, dans un film qui et réalisé par un maître de ce genre de technique, le principal vecteur du geste et de la narration; un regard qui surprendra unefois de plus le spectateur non initié par sa précision, sa froideur, sa rigueur, et parfois son arbitraire. Je pense qu'il faut une fois de plus s'attendre à des commentaires sur la misogynie du réalisateur, puisqu'il nous montre le parcours d'un homme dans son métier, un métier qui exclut toute amitié, et a priori toute communication avec qui que ce soit. Les femmes y sont respectivement: une victime collatérale imprévue (la prostituée); un obstacle à éliminer (une secrétaire); une cible (Tilda Swinton!) et enfin une petite amie, victime collatérale mais de ses ennemis cette fois, et dont la présence à l'écran est tellement réduite qu'elle en devient un prétexte formel à sa vengeance... Du coup la froidur sera inévitablement reprochée au metteur en scène, comme elle peut l'être aussi occasionnelement à d'autres: Mann, Kubrick, Cronenberg voire Lynch parfois en ont tous fait les frais. Et on le sait depuis The game et The Panic Room, chez Fincher la froideur, qu'il adopte le plus souvent pour des raisons morales sur ses films (à plus forte raison quand, comme ici, dans Se7en et dans Zodiac, il est question de serial-killing) a aussi un corollaire inattendu: l'humour... Un humour froid, distancié, rofondément noir, mais qui tansparaît parfois lors des iruptions de l'imprévu dans la route toute tracée d'un tueur qui a cru tout pouvoir contrôler.

Bref, même s'il est tout en style, ce n'est pas vraiment une coquille vide. La rigueur avec laquelle Fincher explore le point de vue, en se plaçant ou pas dans l'héritage de ses maîtres (de Hitchcock, donc, à Michael Mann, lui-même responsable d'un film qui s'appelait Thief dans lequel il se plaçait dans la tête d'un voleur cette fois, qui devait faire face lui aussi à la trahison de ses associés), nous rappelle qu'il est sans doute de tous les réalisateurs aujourd'hui celui qui a le plus compris la dimension morale du cinéma, l'art qui place le spectateur au coeur du geste et du choix de ses protagonistes...

Fincher n'avait pas la main sur ce troisième film, comme du reste sur les deux précédents. mais il avait un atout en poche, un sérieux: le succès considérable de Seven, qui venait à lui seul de redéfinir le film de serial killer, et risquait pourtant de cantonner le jeune réalisateur à un genre. C'est à Polygram, alors à la fin de l'aventure, avant que la compagnie ne soit avalée par Universal, qu'on doit cette production ambitieuse, mais qui avait tous les risques de se transformer en un désastre, à cause d'une tendance très prononcée à l'exagération et au n'importe quoi. De fait, le film ne tient pas vraiment debout, mais joue à fond sur la paranoïa du personnage principal et du spectateur, et maintient en haleine. Sinon, à partir de la deuxième vision, apparaît un autre film, une construction certes fragile, mais qui s'avère fascinante, complétant les épopées claustrophobes de Fincher après Alien 3 et Seven... Le metteur en scène, qui n'avait sans doute pas encore le poids qu'il a maintenant, n'a pourtant pas pu imposer sa vision jusqu'au bout, et on se perd en conjectures sur la fin qu'il aurait sans doute souhaité pour cet étrange jeu.

Nicholas Van Orton, un financier d'une excellente famille de la côte venue faire fortune en Californie, se réveille le matin de ses 48 ans hanté par le souvenir de son père, un homme travailleur, conservateur, responsable, et qui s'est tué à cet âge précis. Entre autres tâches ce jour-là, il s'impose de voir son frère Conrad, la brebis galeuse de la famille, les deux frères ne se voyant pas souvent. Conrad lui offre pour son anniversaire une participation à un jeu, une activité mystérieuse, à laquelle Nicholas ne souhaite pas vraiment participer. Mais il va y être amené malgré tout, poussé par la curiosité, le hasard, et une certaine vanité aussi. Mais du moment ou il met le pied dans la compagnie CRS qui organise le 'jeu', plus rien ne marche: ses activités partent dans tous les sens, le danger est partout, et les rencontres inquiétantes ou absurdes se multiplient. Sans aucun recours, Nicholas se retrouve ballotté d'évènement en évènement, hésitant entre l'impression d'une mauvaise farce, ou plus grave encore, une escroquerie à très grande échelle, qui aura sa peau...

Nicholas Van Orton (Michael Douglas) est un insupportable homme en costume, dont il ne faut pas s'étonner qu'il vive seul. Tout lui est du, et seul le travail lui importe. Il est intéressant de constater qu'il vit à San Francisco, l'une des villes les plus ouvertes humainement et culturellement des Etats-Unis... Par contre, Conrad, "Connie" (Sean Penn) est adoré de tous, malgré ses échecs répétés en tous domaines; il a d'ailleurs fait plusieurs séjours en hôpital, et on devine qu'il a une histoire de flirts poussés avec les drogues. Deux facettes d'un même homme? Plutôt une paire de garçons nés dans une même famille, mais soumis à la loi ancestrale du bénéfice à l'ainé. Une des traces de l'héritage atroce d'un tyran, dont les quelques images parsemées dans le film nous montrent qu'il était sans doute encore pire que Nicholas, un rictus d'ennui mortel constamment à la bouche. De fait, Nicholas est en danger de devenir son père, c'est l'un des enseignements de cet étrange jeu qui se joue autour de lui: dès le départ, retrouvant en rentrant chez lui un pantin par terre, dans la position exacte du corps du patriarche après son suicide... Les allusions à son père, et à l'inéluctable ressemblance entre les deux hommes, sont nombreuses dans le 'jeu', jusqu'au symbolique acte final: se réveillant en un endroit inconnu (Au Mexique) dans un cercueil, Nicholas n'a d'autre choix que de vendre sa montre offerte par son père, dernier lien avec le passé. Un autre trait de ses aventures délirantes, c'est le danger croissant auquel est soumis Nicholas Van Orton: les premières épreuves qui lui sont imposées ressemblent surtout à un canular, mais lorsque celui-ci se transforme en aventure avec balles apparemment réelles, ou que le financier est laissé seul dans un taxi qui roule à tombeau ouvert vers la baie de San Francisco, le ton change... Enfin, il y a une dimension morale, mâtinée de drogues. Ce très raisonnable homme divorcé, sans enfants, n'a aucune vie sociale, et le voilà doté d'une chambre d'hôtel qu'il ne se souvient pas d'avoir prise, et dans laquelle les traces d'une orgie de sexe et de drogues, avec photos, pointent le doigt vers une vie dissolue dont il n'avait aucune idée jusqu'à présent... La drogue est une métaphore qu'on retrouve dans le 'jeu', lorsque Nicholas revient chez lui pour constater que sa maison a été vandalisée, avec des graffitis fluo un peu partout, sur l'air du White rabbit de Jefferson Airplane...

En parlant de l'Airplane, le film profite de San Francisco, une ville à laquelle Fincher reviendra d'ailleurs avec bonheur quelques années plus tard. La disposition particulière du relief sert à mettre l'accent sur la façon dont le film progresse: les routes de San Francisco soulignent le relief plutôt que de le contourner, ce qui explique que par endroits, il y ait ces bosses au sommet de certaines collines. Impossible de voir les voitures qui vont débouler d'une minute à l'autre... De même ici, c'est la négation du suspense et le triomphe de la surprise: on ne sait pas, pas plus que Nicholas, ce qui va lui arriver, ni même si c'est effectivement un jeu, ou une escroquerie, ou pire... Seule la tension demeure, une tension dont le malaise est justement amplifié par l'absence de repères. Certains ont décrété qu'il s'agissait d'un défaut du film, mais ce choix de plonger le protagoniste comme le spectateur dans la paranoïa la plus totale était celui des scénaristes dès le départ, et Fincher y a adhéré. Le reprocher au film, c'est comme de reprocher, disons, à Coppola d'avoir situé son adaptation de Hearts of darkness au Vietnam...

Pourtant, Fincher n'a pas gardé le final cut, et a du retourner une partie de son dénouement. Ce n'est pas clair, mais une chose est pourtant sure: il avait approuvé le choix inhérent au scénario, qui expliquait à la fin si le jeu était vraiment un jeu (une grosse farce à la "caméra cachée", mais élaborée à l'échelle d'une ville, avec la complicité de tous), ou une escroquerie à l'échelle d'une vie, dans laquelle Nicholas Van Orton était la "cible", "The mark", en Anglais, pour reprendre une terme du film. Mais il avait choisi de prendre pour la fin une voie inattendue, peu Hollywoodienne, qu'il estimait être plus en concordance avec le caractère particulier de l'homme aliéné qui était le sujet du film. ce n'est pas la fin qu'on peut voir ici, conclusion logique mais qui tend à exagérer le coté délirant du film, jamais totalement crédible, mais qui reste un cas intéressant de machination déstabilisante, pas éloignée de l'idée d'un Truman Show sous cocaïne. Les tribulations sadiques d'un pauvre financier de 48 ans, obligé de suivre une blonde fatale (Deborah Kara Unger) dans les poubelles d'une ruelle sordide ont toujours de la saveur, et même si le contrôle du film lui a échappé, il y a beaucoup de la philosophie noire de David Fincher à trouver dans ce film qui est d'une ironie mordante, même après plusieurs visions, en dépit ou à cause de son sens de la surprise élaborée...

On y trouvera une formidable exploration de l'âme perturbée d'un insupportable conservateur quasi-quinquagénaire, la radiographie d'un rêve Américain qui s'est perdu dans la course aux millions d'un système bancaire qui se mord la queue (Nicholas Van Orton est investisseur, et comme il le dit lui-même, il déplace des dollars d'un projet à l'autre, et ne s'intéresse qu'à ça, autant dire à rien), et enfin le portrait troublant d'une vie paranoïaque sous la coupe d'une sorte d'équipe de cinéma qui aurait oublié de vous donner le script de la superproduction dont vous êtes le héros: bienvenue dans le jeu...

"Some people are born to sit by a river, some get struck by lightning, some have an ear for music, some are artists, some swim, some know buttons, some know Shakespeare, some are mothers, and some people dance."

L'étrange conclusion poétique de ce film met l'accent sur la place de chacun et le fait que certains parmi les êtres humains sont obsédés par l'idée de se faire une place, de se trouver. Le principal enjeu, pour eux, est de maîtriser le temps, d'arriver à leur objectif avant qu'il soit trop tard. Vivre serait donc se mettre en coulisses pour bondir sur l'opportunité au bon moment... de la fable de Fitzgerald qui sert de point de départ au film, Fincher et ses scénaristes ont retenu l'étrange présupposé: un jour, un homme naît vieux, et va rajeunir jusqu'à sa mort. Le reste est propre au film, déplacé à New Orleans, et articulé sur 80 ans, de 1917 à 2005, de la participation Américaine à la première guerre mondiale à l'ouragan Katrina...

L'ouragan menace New Orleans, quand dans un hôpital de la ville Daisy Fuller, une veuve atteinte d'un cancer, se prépare à mourir. A son chevet, sa fille Caroline découvre un journal attribué à un certain Benjamin Button: elle le lit à haute voix, et découvre la destinée étrange de celui qui était son vrai père, mais qu'elle n'a jamais connu. Né déjà difforme par la sénilité, il a été abandonné par son père affligé d'avoir perdu son épouse en couches et ne parvenant pas çà surmonter le choc de sa découverte de l'état du bébé. placé sur l'escalier d'une maison de retraite, il est recueilli par Queenie, une Afro-Américaine qui travaille à la maison de retraite, et élevé parmi les personnes âgées. il rencontre assez vite la petite Daisy, qui fait de cet étrange garçon son compagnon de jeux, puis les deux grandissent éloignés l'un de l'autre; Benjamin rencontre son père, devient marin, file le parfait amour avec Elizabeth, la femme d'une diplomate anglais à Mourmansk, participe à la seconde guerre mondiale, et de son côté Daisy devient danseuse, participe à la vie très libérée des coulisses du ballet, et a un accident qui l'éloignera d'une carrière prometteuse. Vers le milieu de leurs vies, parvenus à une certaine égalité dans leurs développements respectifs, ils tombent dans les bras l'un de l'autre et vivent un amour bref mais intense. A la naissance du bébé, Benjamin s'éloigne, comprennent qu'un moment viendra qui obligera Daisy à s'occuper de lui comme d'un enfant....

C'est un film très difficile à résumer, auquel le spectateur doit immédiatement adhérer, en faisant sienne une certaine forme de foi: à aucun moment une explication ne viendra polluer le film, qui ne dispose que d'un petit prétexte cosmique poétique et finalement assez satisfaisant: en 1918, un horloger aveugle qui a perdu son fils à la guerre a honoré la commande de la ville qui voulait une nouvelle horloge pour la gare, en donnant une horloge qui marche à l'envers; ainsi, pense-t-il, on laisse une chance au temps de revenir en arrière et à son fils de ressusciter. De fait, il va y avoir une conséquence inattendue en la naissance absurde d'un bébé vieux qui marche à l'envers. Mais soyons franc: il vaut mieux faire comme tous les protagonistes de ce film, et accepter: personne ne semble questionner la raison d'être de cet étrange vieillissement paradoxal. C'est donc un vieux garçon de 10 ans qui rencontre Daisy, c'est un vieillard de 16 qui se fait déniaiser sous le fier contrôle d'un capitaine Ecossais pittoresque, et c'est un vieil homme de 35 ans qui rencontre une quadragénaire désoeuvrée à Mourmansk, avec laquelle il a une aventure. Tout du long de ce film, David Fincher reconstitue avec une gourmandise et un savoir faire d'orfèvre le siècle qui passe, de New Orleans à Paris, en passant par New York. Il appuie sa recréation maniaque d'un clin d'oeil appuyé au cinéma, avec des images craquelées en 1918, et occasionnellement, un gag récurrent filmé à la façon des courts films d'Edison, en noir et blanc saccadé : un homme qui raconte à Benjamin à chaque fois qu'il le voit l'un de ses sept rencontres avec la foudre... Mais la reconstitution d'un monde sous toutes ses coutures n'est pas la première expérience de ce genre pour le réalisateur: Zodiac présentait déjà ce voyage hallucinant dans le temps, dont la rigueur de l'intrigue trouvait en la fidélité de la recréation de la ville et des circonstances de chaque scène un pendant parfait. De même, The Social Network le fait avec la dernière décennie, pour replacer dans son contexte l'histoire récente et la création de Facebook par Mark Zuckerberg.

C'est à partir de cette fascinante résurrection d'un monde disparu, ou en constante évolution, que l'on peut voir ce qui est le but du film, au-delà de cette poésie pure de l'image liée à cette invention géniale, l'idée d'un homme qui rajeunit en mourant. Il nous parle du temps, de son emprise sur tout ce que nous sommes, sur chacun d'entre nous. Il met l'accent sur la nécessité de trouver vite ce que nous sommes censés faire, mieux, de ne pas chercher, on le saura bien assez tôt. Et le film se permet en plus de donner à une histoire d'amour, par le biais de son paradoxe interne, sa représentation parfaite: Daisy doit attendre que Benjamin soit assez jeune, Benjamin que Daisy soit assez vieille. Benjamin s'amuse de se sentir chaque jour plus vaillant, mais Daisy a peur de la vieillesse qui l'envahit, dont elle sait qu'un jour ou l'autre Benjamin de plus en plus jeune se lasserait.

Ainsi, Fincher, l'homme des fins tragiques (Il a reconnu qu'il n'est en aucun cas porté sur les happy ends, et un coup d'oeil rapide à tous ses films le confirme) trouve-t-il en cette étrange histoire le vecteur parfait pour nous conter une histoire d'amour parfaite, à sa façon: un parcours à deux qui ne peut se résoudre que dans la tristesse, parce que c'est comme ça... En choisissant de le faire par le biais de ce moment doublement dramatique d'une fille venue au chevet de sa mère mourante alors qu'un ouragan meurtrier menace, il aurait pu élever le drame personnel et privé de Daisy et Benjamin au rang de tragédie; mais en montrant les gens qui trouvent le temps de faire ce dont ils ont envie, le meilleur exemple étant la traversée de la Manche par cette ancienne amoureuse de Benjamin (Tilda Swinton), qui a 68 ans a trouvé le courage d'accomplir son rêve, relayée par la télévision... par la puissance visuelle de sa réalisation, sa maîtrise technique absolue, le génie de ses collaborateurs, et par la grâce de ses interprètes, absolument tous géniaux, en choisissant enfin de finir son film sur une vision de l'eau qui envahit à New Orleans un grenier dans lequel on aperçoit une horloge qui marche à l'envers, Fincher se situe en droite ligne dans le cinéma du miracle, celui des Borzage, Kieslovski, et d'autres, et son film est une merveille. Il affirme paradoxalement, avec ce film qui nous rappelle l'inéluctabilité de la mort, sa foi en l'existence.

Le premier film de David Fincher est un paradoxe particulièrement intéressant: troisième film d'une franchise à succès, dont les deux metteurs en scène précédents avaient été engagés pour leur faits d'armes respectifs (Le visuellement superbe film The Duellists de Ridley Scott, et la réussite de Terminator malgré son petit budget pour James Cameron), ce nouvel opus a échoué dans les mains d'un metteur en scène débutant, ou du moins qui n'avait jamais réalisé que des clips vidéos et des publicités... Mais Fincher n'était pas le premier choix, loin de là. Renny Harlin, réalisateur de films d'action, devait à l'origine être à la barre (On l'a donc échappé belle), et le futur réalisateur David Twohy a ensuite été désigné par la production pour travailler sur un script, avant que le flambeau n'échoue enfin dans les mains de... Vincent Ward. Celui-ci, beaucoup plus un auteur-réalisateur de la trempe de Scott ou Cameron que ne pouvait l'être ce pauvre Harlin, est aujourd'hui responsable de la direction prise par le projet, qui voit Ripley échouer sur une planète-monastère, amenant avec elle son lot de problèmes, à commencer par une cargaison inattendue: un alien!! Le projet de Ward allait loin, très loin, et son histoire est à la base du film tel qu'on le connait aujourd'hui... Pourtant, ce ne sera pas le film de Ward. Les décideurs de Brandywine productions, propriétaires heureux de la franchise, après de nombreux scripts et faux départs, ont du trouver un nouvel artiste, et c'est sans doute en désespoir de cause qu'ils ont fait appel à un débutant, se disant sans doute qu'il serait plus facile à contrôler. On le voit, d'une part toutes les conditions étaient réunies pour faire du film le désastre commercial qu'il a effectivement été, et dautre part Fincher a commencé sa carrière avec un tournage particulièrement compliqué, dont il n'était pas à l'origine. Et pourtant le film porte indéniablement sa marque.

A l'idée de voir Ripley finir sa dérive dans l'espace, entamée à la fin de Aliens, sur une planète habitée par des hommes extrêmement religieux, la production a décidé d'ajouter un élément du concept de la version de David Twohy: le fait que cette petite planète, "terra-formée" afin de devenir une prison, ait fini par laisser les forçats en liberté, et qu'is aient continué à vivre sur ce monde hostile, plus ou moins supervisés par la compagnie Weyland-Yutani. Ainsi, Ripley arrive-t-elle dans un endroit ou elle sera la seule femme, habité par des violeurs à l'équilibre instable qui n'ont trouvé comme seul lien vis-à-vis de l'humanité qu'une religion fabriquée par leurs soins, très stricte, et sous le guide de Dillon (Charles Dutton), l'un des plus sages parmi les prisonniers. Vite, Ripley, qui a appris la mort du caporal Hicks et de la petite Newt, les deux autres survivants du désastre de Aliens, échappés avec elle de la planète, va sympathiser avec un médecin au passé douteux (Charles Dance), constater l'équilibre précaire dans lequel vivent les ex-prisonniers, et comme d'habitude faire face à un alien, avec un ingrédient inattendu, mais spectaculaire: elle porte une reine en elle, et donc pour le public il devient assez clair, très vite, qu'elle va mourir...

Les contraintes liées à la saga Alien sont ici respectées, bien sur: Ripley doit faire face à une incrédulité bien compréhensible, de la part notament des hommes de la compagnie Weyland-Yutani (Le gardien-chef Andrews interprété par Brian Glover, et son adjoint Aaron - Ralph Brown-, surnommé 85 en raison de son QI), mais aussi des homme de la colonie pénitentiaire. A cela s'ajoute l'hostilité manifestée par ces hommes qui se sont déshabitué des femmes, et bien sur les manoeuvres à distance de la colonie, qui sait non seulement qu'il y a un alien sur la planète, mais aussi que Ripley est infectée. On sait que la compagnie Weyland-Yutani est intressée depuis toujours par l'idée de posséder un alien afin d'assoir ce qui ressemble bien à une domination de l'humanité et de l'espace. L'alien, dans la version d'origine de Fincher, est né d'une vache, ce qui fait de lui un quadrupède: le film confirme que les aliens ont une morphologie héritée du malheureux "hôte" qui les accueille avant leur naissance... Sinon, Fincher choisit de prendre le contrepied du film de Cameron en retournant à l'économie d'Alien, et on verra assez peu les bestioles dans la première partie du film, même si Fincher se plait à alterner les plans extrêmement courts des créatures avec les aspects plus traditionnels de l'intrigue, notamment les conversations nécessaires mais parfois un peu redondantes: ainsi la naissance de l'alien d'une vache, ou encore la mort de Murphy, la première découverte de cadavre qui confirmera à Ripley qu'elle n'est pas arrivée seule... Le mode d'action du film dans sa deuxième partie reste un cocktail enivrant et claustrophobique de suspense, d'action, de course contre la mort et d'héroïsme délirant, Dillon et Ripley s'efforçant avec l'aide de tous les forçats d'attirer la bête via des conduits qu'il faut fermer au fur et à mesure, vers une gigantesque cuve ou elle sera noyée sous le plomb fondu...

Mais la sortie d'une version plus longue du film il y a quelques années, a mis en lumière ce qui manquait dans la version courte sortie en 1992, sorte de film à suspense extrêmement bien ficelé, sans beaucoup plus: durant les premières attaques de monstre, un des prisonniers, Golic, se serait persuadé qu'il s'agissait du diable, d'un dragon rédempteur qu'il fallait aider. De simple couleur locale, la religion des hommes de cette planète, devenait un élément moteur du film, et la justification d'un comportement auto-destructeur in fine non seulement pour le détenu Golic, fou et victime du rejet par les autres, mais aussi de la compagnie Weyland-Yutani. Le choix délirant des prisonniers de vénérer un seul dieu, ou dans le cas de Golic un seul diable, finit aussi par annuler toute prétention à la vérité dans le parcours religieux, un acte particulièrement courageux pour un film Américain. Et on peut relier l'histoire de Golic et celle de "John Doe", le meurtrier anonyme de Seven, l'un et l'autre fascinés par le mal jusqu'au sacrifice... Le film porte aussi d'autres traits dont Fincher va devenir coutumier, un aspect glauque qu'on retrouveras Seven et dans The game, une noirceur totale, un univers cloisonné, un refus du compromis habituel sous la forme d'un happy ending de circonstance... Ce réalisateur bien vert, qu'on imaginait aisément contrôler, a réussi à faire avaler à Sigourney Weaver qu'il lui fallait mourir à la fin du film, et qu'elle devait aussi se faire raser la tête: pas mal pour un débutant.

Quoi qu'il en soit, c'est une version de compromis qui sortir en 1992, réduite du tiers environ, et débarrassée de la sous-intrigue de Golic, entre autres. Fincher éjecté, le film subira quelques retouches, mais on peut aujourd'hui en voir les contours dans la "version de travail" plus proches des intentions du réalisateur, avec ses qualités (Un incomparable talent dans l'installation d'une atmosphère, dont on peut penser que les producteurs de Seven s'en souviendront) et ses défauts (Le choix de passer par des effets numériques pas encore totalement au point). Non seulement le film, bien qu'il ait été un échec commercial, m'apparait comme le deuxième meilleur film de toute la saga derrière le premier Alien de Ridley Scott, mais il confirme la naissance d'un grand réalisateur, qui nous a rarement déçu depuis.

Pourquoi faire un remake d'un film récent? On peut se poser la question, mais chacun sait que c'est une tendance effectivement, afin de rendre disponibles au public Américain des intrigues qu'ils auront manqué s'ils détestent les films étrangers. Avant de s'en plaindre, rappelons que le doublage est encore pire, et de toute façon il ne s'agit ici nullement de faire le procès de Fincher à ce sujet. En effet, le film Américain a sur son prédécesseur, le film de Niels Arden Oplev, une série d'avantages non négligeables. Et de plus, je ne suis pas sûr que Fincher l'ait vu, ayant d'abord et avant tout réalisé l'adaptation d'un livre. ...Dont il ne sera ici plus question. Il ne sera plus question ici non plus du très médiocre film Suédois, qui ne m'a laissé aucun autre souvenir que celui d'une profonde irritation, et l'impression d'assister à un téléfilm Allemand pour Arte, mais en Suédois, bourré de révolte en carton.

Lisbeth Salander est une "hackeuse" Suédoise, en rébellion depuis sa plus tendre enfance, période durant laquelle, pupille de la nation elle a eu à subir des violences de la part de nombreux tuteurs. Elle est employée de façon plus ou moins officielle par une agence de détective, et elle est douée, très douée... Elle a en particulier enquêté sur une particulier, le journaliste Mikael Blomkvist, dont une famille souhaite louer les services afin qu'il résolve un vieux mystère. Blomkvist, journaliste rigoureux, est en effet dans une tourmente judiciaire suite à une série d'articles qui lui ont valu un procès, qu'il a perdu, contre un conglomérat mafieux. Le mystère en question concerne la disparition, et probablement la mort, d'une jeune femme en 1966, et va amener les deux héros à travailler ensemble...

D'une part, Fincher a comme d'habitude fait un travail époustouflant de localisation, s'aménageant l'espace comme il l'avait fait en particulier pour Zodiac. Les deux films possèdent d'ailleurs un trait commun, à travers les obsessions d'un certain nombre de personnages, à commencer par Blomkvist (Daniel Craig). Quoi q'il en soit, la Suède devient ici un véritable paysage de film noir, sans rien perdre en couleur locale, ce qui était, on le verra, important. D'autre part, il a bien évidemment fait comme d'habitude, et on peut lui faire confiance pour cela: là ou bien des remakes Américains de films Européens sont aseptisés, celui-ci est plus dur, plus violent, par le recours à un point de vue aussi peu nihiliste que possible. contrairement à ce qu'on pourrait croire, la colère permanente de Salander est motivée par des sentiments, et le metteur en scène touche au plus près de la violence: criminelle (L'insupportable anecdote du chat), sexuelle (le viol répugnant, filmé par sa victime), et politique (Nostalgie bien implantée du Nazisme). Cela repose sur une caractérisation fantastique de Rooney Mara, qui a énormément donné pour ce film, et sur une réappropriation impressionnante du personnage par le metteur en scène.

Et puis, il y a le thème numéro un de David Fincher, présent sinon dans tous, en tout cas dans un nombre significatif de ses films: le mal, sa présence, comment lutter contre lui, et ses ramifications. il s'agit moins ici d'une enquête que d'étudier l'enracinement d'une idéologie sous diverses formes, dont les Nazis et Collabos de la famille Vanger ne sont finalement qu'une incarnation, qui trouve une résonance autrement plus vivace dans les agissements infects d'un certain nombre de vieux cochons qui ont profité de la jeunesse d'une femme, du flou qui entoure son statut, et de leur impression d'impunité, pour lui faire subir les pires turpitudes... et Fincher, dans sa mise en scène, met finalement tout sur un pied d'égalité: viol de Salander, agression de Blomkvist, disparition d'Harriet, Meurtres de jeunes femmes selon un rituel où transparaît l'antisémitisme, détournements mafieux, tout est finalement lié, et le film tout en se situant dans le paysage authentique de la Suède d'aujourd'hui conte les étapes de cette lutte baroque et morale, avec rigueur et maestria. Du sang sur la neige, l'image est forte, mais dit bien que ce paradis pour acheteurs de meubles cache en vérité une histoire compliquée et ô combien compromise... Après, qu'on soit ou non sensible au fait qu'il s'agit d'une relecture importe peu: c'est un film de David Fincher de A jusqu'à Z.