Allen John's attic

Troisième film du contrat entre Arbuckle, Joe Schenck et Paramount, tourné à New York comme les deux précédents et les trois suivants, ce film montre une fois de plus après The butcher boy (Qui a été conservé) et probablement A reckless romeo (Qui lui a été perdu) les limites de la "formule" d'un acteur qui se cherchait un peu. Certains gags sont très drôles, et d'autres moins, certaines routines s'intercalent sans unité, et l'équipe se laisse parfois aller à la facilité.

L'intrigue tourne autour d'une pension de famille, qui est le principal lieu de la première bobine. Roscoe y mène son monde, jusqu'à ce que sa belle-mère ne vienne se mêler de ce qui ne la regarde pas. On notera que Buster Keaton est très occupé, comme Al St John, mais si ce dernier a essentiellement UN rôle, Keaton, lui, apparait dans quatre incarnations! Et il n'est pas venu seul, il a rapporté de l'équipe des "Three Keatons" qu'il formait avec ses parents un étourdissant (Et violent) ballet de balais qui tournoient, qu'il réutilisera pour Convict 13. Est-ce la raison pour laquelle un certain nombre de sites douteux le créditent comme co-réalisateur de ce film? C'est peu probable que ce soit justifié, mais si c'était le cas, il faudrait probablement créditer St-John aussi, car ces courts métrages étaient vraiment une oeuvre collective...

Juste un gag, pour le plaisir: au réveil, Arbuckle met le feu à son lit. Au lieu de tout résoudre dans l'hystérie collective, le comédien prend son temps, et va lentement chercher des... tasses d'eau à la cuisine. L'incendie, lui, ne prendra pas son temps...

Ce film tourné en 1920 dans les réserves Indiennes de l'Oklahoma n'avait pas été beaucoup montré à l'époque, et vient d'être restauré et réédité en Blu-ray. Il est probable qu'il va ainsi être vu par beaucoup plus de monde que son public original, ce qui est un paradoxe assez ironique. Je ne dirai pas ça souvent, mais s'il est parfois des chefs d'oeuvre injustement ignorés et des échecs profondément injustes, il arrive aussi qu'il y ait une bonne raison pour qu'un film ne soit pas souvent présenté. Ce film est joli, tourné en extérieur avec des figurants consciencieux, et des acteurs amateurs concentrés, tous issus des tribus représentée à l'écran, et contrairement aux pensums mortellement ennuyeux de Flaherty, il y a ici un script, bref, une invention de fiction: une histoire de rivalité amoureuse pour la main du chef entre un guerrier valeureux et un lâche arriviste.

Mais quelle purge... Au-delà de la représentation des us et coutumes d'une tribu kiowa, il n'y a rien à voir.

Dany est une secrétaire, manifestement amoureuse de son patron, qui manque singulièrement de confiance en elle. On est en 1970, et elle est bien mal à l'aise quand ses copines parlent de vacances et de leur liberté, parce qu'elle, finalement, elle ne sort pas, ne va pas en vacances... Bref: elle est coincée. Quand son patron lui propose un extra, un dossier long à taper, et qu'il lui suggère de venir le taper chez lui, elle s'arrange un peu, car on ne sait jamais. Pourtant, ce n'est que du travail: elle va rester chez lui pendant qu'il sort avec son épouse Anita, dormir à la maison, terminer le dossier le lendemain matin, fin de l'histoire... Mais au lieu de s'en tenir là, le couple, le lendemain, lui confie les clés d'une rutilante voiture Américaine pendant qu'elle les dépose à l'aéroport, et c'est là que tout bascule: au volant d'une voiture bleue presque irréelle sur les vénérables routes Françaises, Dany, au lieu de se contenter de retourner la voiture là où on lui a demandé de la placer, la garde et part vers le Sud, sans savoir pourquoi. Elle ment, pour jouer un peu avec le faux statut que lui apporte le véhicule... Mais ce qui est embêtant, c'est que partout où elle va, on semble la reconnaître... Et ça devient de plus en plus bizarre...

Joann Sfar n'a pas mâché ses mots: venu sur le projet après que le script a été fini, il a accepté parce qu'il aime profondément le livre de Japrisot... et a vite regretté, pour son premier film qu'il n'ait pas lui même écrit et lancé, car le scénario lui a instantanément déplu. Il ne faudra pas s'étonner, en voyant le film, d'avoir parfois l'impression que le script et la mise en scène marchent à l'envers l'un de l'autre. Car ce que Patrick Godeau et Gilles Marchand ont fait au roman de Japrisot, c'est ni plus ni moins que de transformer un polar psychédélique et sensoriel en diable, qui prend le parti de ne jamais nous livrer un seul point de vue (Un péché mignon, chez Japrisot), et de compliquer de manière systématique l'impression du lecteur afin de semer le doute, en un polar facile façon M6, qui se rend par une ligne droite d'un point A à un point B. Du coup, le film est bancal, la résolution sage et convenue fortement décevante, mais le traitement à la Lynch, fait d'une perte des repères chez une femme prête à l'aventure mais pas prête à en assumer les conséquences, est passionnant: le film devient l'histoire d'une femme qui se parle volontiers devant le miroir, et qui semble garder en elle un démon, qui va l'aider à réaliser son rêve: aller voir la mer... au prix de quelques cadavres. Il y a, caché là-dedans, un film bien meilleur que celui qu'on nous présente, avec une dimension quasi surnaturelle. Si on laisse son esprit vagabonder hors des lignes, on a une chance de l'apercevoir!

Sfar prend aussi le parti de laisse le style 1970 prendre le pouvoir sur le film, s'amuse à recréer l'époque, et laisse la musique toute en clins d'oeil, typiques de la pop psyché européenne, faire le reste. Freya Mayor, dans le rôle de Dany, est formidable. Stacy Martin et Benjamin Biolay dont ternes, mais rendent bien le couple de parvenus qu'ils incarnent.

C'est l'avant-dernier film de la réalisatrice Américano-Islandaise, décédée l'an dernier, et il donne furieusement envie de s'intéresser à son oeuvre: il y est question de la remise en question d'une femme, une fois passé le cap de la quarantaine, la "femme nue" du titre étant à l'exception d'une courte apparition de Karin Viard en naïade ravie, à prendre au sens symbolique et figuré... Lulu (Version courte de Lucie) s'est en effet déplacée à St-Gilles Croix de Vie pour un entretien d'embauche. Celui-ci est mi-comique, mi-tragique, car Lulu n'est absolument pas à l'aise, et sa gaucherie lui garantit l'échec complet de la démarche. Mais elle ne rentre pas chez elle, une petite ville du Maine-et-Loire: elle choisit de rater délibérément son train, et reste dans un hôtel. Le lendemain, même chose, même si elle ne fait pas exprès. Le problème, c'est que son mari, pas un rigolo du tout, décide de déclarer le vol de la carte de crédit de son épouse, afin de l'empêcher de dépenser. Elle est donc réduite à dormir dehors... Et va changer sa vie, de façon durable, grâce à trois rencontres.

Adapté d'une bande dessinée d'Etienne Davodeau, le film est bien différent de sa source: d'abord, par sa narration, qui est ici plus frontale. A des interventions extérieures d'un narrateur, Solveig Anspach substitue un point de vue silencieux, souvent confondu avec celui de Lucie, mais pas systématiquement; ainsi, lorsque la soeur (Marie Payen) et la fille (Solène Rigot) de l'héroïne débarquent en Vendée, et se cachent pour observer Lulu vivre sa nouvelle vie, on a une nouvelle perspective. Dans la bande dessinée, ce point de vue est apporté par un homme, un ami de Lulu, alors que l'irruption de ces deux femmes si proches d'elles dans le décor va nous permettre une bien meilleure vision du personnage.

Car ce qui ressort des aventures de Lucie, c'est l'idée qu'elle a raté sa vie de femme: les trois actes du film nous le montrent avec douceur. Elle rencontre un homme (Bouli Lanners) qui va l'aimer, plus et mieux en tout cas que son propre mari, le brutal Serge (Patrick Ligardes); elle va ensuite se lier d'amitié dans des circonstances comiques avec une vieille dame, Marthe (Claude Gensac) qui elle a fait dans son passé des choix plus téméraires qu'elle, et elle va venir en aide à Virginie (Nina Meurisse), la serveuse martyrisée par sa patronne, d'un petit café de la côte. Bref elle va non seulement se prendre en charge, elle qui a surtout élevé trois enfants, mais pas fait grand chose d'autre de notable, mais elle va aussi essayer de changer la vie des autres. Elle va découvrir l'amour, le sens de l'amitié, et ce qui l'attache à ses enfants... Mais pas à son mari.

Bref, ce Lulu femme nue, tout en délicatesse, a tout du joli film automnal qui se transforme sans crier gare en leçon de vie, fragile mais précieuse. La réalisatrice a l'oeil, le ton juste, la distance et la rigueur nécessaire, et transforme ce qui aurait pu être une drôle de salade misérabiliste, comme ces téléfilms dans lesquels les acteurs Français s'aboient dessus en permanence en lâchant des "putains" toutes les trois secondes, en une expérience de vie valide et gentiment burlesque. Karin Viard est fantastique. Tous les autres acteurs aussi, y compris les ados... C'est suffisamment rare pour être souligné, et pour regretter le décès d'une réalisatrice qui comptait.