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Vidor est pour la MGM un héritage de la Goldwyn et de la Metro, les deux studios pour lesquels il a tourné entre 1922 et 1924,
principalement des films mélodramatiques dont ceux qu'on peut encore voir aujourd'hui sont plutôt impressionnants. Le metteur en scène avait un flair pour le drame, et ses ingrédients, qui se
retrouveront bien sur dans ses films parlants pendant pusieurs décennies... mais au-delà du mélodrame flamboyant, le Vidor qui semble se dégager de ses meileurs films muets est principalement le
metteur en scène qui approchera Irving Thalberg et obtiendra sa confiance pour deux projets particulièrement chers à ses yeux: The big parade et
The crowd, le succès du premier sur la guerre rendant de fait le tournage du second, un film particulièrement peu commercial, possible. Vidor était un
artiste ambitieux, génial, il avait la confiance de ses employeurs, et le cinéaste visionnaire a su coller à on époque (A ce titre the crowd est un film de la trempe de Lonesome, de Sunrise...), acceptant parfois une commande d'un film plus léger (La
Bohème, Bardelys the magnificent) qui lui permettait ainsi ensuite de mener à bien ses projets personnels... découvreur de John Gilbert
(Parade, Bohème, Bardelys) Vidor est aussi celui qui a permis à Marion
Davies de faire son vrai coming-out en tant qu'actrice de pure comédie, avec Show People et The patsy, et en prime
les deux films sont irrésistibles, le premier étant le meilleur des films muets qui traient de la vie à hollywood sur les plateaux de cinéma...
Si la firme a longtemps mis en avant The big parade dont Thalberg était probablement (A
juste titre) aussi fier que son metteur en scène, celui-ci était certainement l'atout principal de la firme en ces années muettes. Profondément Américain (Ses films ambitieux mis bout à bout,
forment un remarquable portrait de l'homo americanus), humaniste et doté d'un flair sans pareil pour les scènes à hauteur d'homme, Vidor était celui qui
réussissait au mieux à faire la jonction entre un cinéma artistique et ambitieux, et le succès public, ce qui allait se prolonger durant le parlant... Ars gratia
artis.
Wine of Youth (1924)
His Hour (1924)
Proud Flesh (1925)
The Big parade (1925)
La Bohème (1926)
Bardelys The Magnificent (1926)
The crowd (1927)
Show people (1928)
The patsy (1928)
Les cinq années passées à la MGM sont pour Browning une période essentielle durant laquelle il va renaitre, grâce à un film et une star: Lon Chaney ne voulait que lui pour lancer sa carrière MGM (Il avait déja tourné en indépendant dans deux productions distribuées par le studio): The unholy three allait non seulement montrer l'importance de Lon chaney à la firme du lion, mais aussi sortir Browning de l'ornière dans laquelle il végétait depuis sa disgrace alcoolique à la fin de son contat avec Universal. après 1929 et un film parlant (The thirteenth chair), Browning allait retourner à la MGM après une escapade par la Universal, durant laquelle il allait tourner Dracula.
Le personnage, les films de Tod Browning, la liberté dont il semble avoir disposé durant ces belles années sont une exception à la MGM: il a développé dans le studio de Louis B. Mayer, avec la bienveillance de Thalberg (et la protection de Chaney, ce qui n'est sans doute pas rien) des films hallucinants, souvent en rapport avec le monde du spectacle, qui sont d'un ton proche du fantastique. Les personnages joués par Chaney dans 7 de ses 9 films muets y ourdissent des plans sadiques de vengeances impressionnantes, et les handicaps physiques réels (Road to Mandalay, un borgne, et West of Zanzibar, un paralytique) ou imaginaires (The blackbird, The unknown) y cachent des manques affectifs, et une incapacité à se faire aimer qui était déja la marque de fabrique de l'acteur. Ses films sans lui (The mystic, The show) ne ressemblent à aucun autres, et ses deux films perdus sont activement et ardemment recherchés. Pour ma part, c'est surtout The big city que j'aimerais voir...
The unholy three 1925
The mystic 1925 avec Aileen Pringle
The blackbird 1925
Road to Mandalay 1926, incomplet
The show 1926, avec John Gilbert
The unknown 1927
London after midnight 1927 Perdu
The Big City 1927 Perdu
West of Zanzibar 1928
Where east is east 1929
dans laquelle le concept d'amitié indéfectible qui
liait les héros du film précédent, jusqu'au-delà de la mort, est ici mis à mal: au début de The mortal storm, tous se jurent fidélité et amitié, mais certains vont mourir, et
d'autres seront bannis par certains de leurs "amis". Tout en se réfugiant derrière cette tendance au symbolisme, le film nous montre de façon assez directe les mécanismes des nazis, depuis
l'instauration d'un parti, jusqu'à l'exclusion physique des êtres, en passant par le choix clair d'un camp ("Tu es avec nous ou contre nous"), et bien sur les autodafés, les intimidations, la
terreur et la torture. Le mal, incarné par des jeunes garçons (Robert Young, mais aussi Robert Stack et William T. Orr), s'installe d'autant plus vicieusement qu'il est accueilli à bras ouvert
par beaucoup. Mais l'un des atouts majeurs de cette production qui visait assez ouvertement le public Américain est de laisser deux icones incarner les idéaux démocratiques: Freya est la seule
des jeunes adultes de la famille Roth à avoir compris de quelle façon le piège totalitaire allait se refermer sur ses proches, quelle que soit leur opinion ou leur position face au nazisme, et
Martin est ici de par ses propos même une personnification des idéaux démocratiques de l'Amérique, tolérante et généreuse...
Le film joue beaucoup sur l'indignation du spectateur, depuis le parallèle
effectué entre une célébration d'anniversaire située au début qui nous fait presque croire assister à une comédie. Une porte s'ouvre, et la caméra s'engouffre avant le professeur roth dans un
amphithéâtre bondé de gens qui ne sont là que pour chanter ses louanges. Le contraste est hallucinant avec une scène ultérieure, qui voit les rangs de l'amphithéâtre rempli de jeunes en uniforme
nazi... Le comportement des frères et amis de Freya, qui discutent en assénant des stupidités antidémocratiques, voire sexistes, peut irriter par sa facilté, mais c'est d'une grande efficacité
pour le cinéstae qui a besoin assez rapidement de montrer le sentiment d'insécurité des héros dans une Allemagne qui choisit désormais entre les êtres, et rejette ceux qu'elle n'a pas élus à
coups de pierre, puis de fusil. Tout ce que Martin a envisagé deviendra vrai, hélas...
personnes devant Dieu, voire devant la notion même d'humanité menacée par
tant de dangers: c'est par Freya et Martin que Borzage exprime dans ce film sa foi en l'homme, le seul échappatoire du film, devant les doutes éventuels des frères de Freya qui se sont engagés
bille en tête dans le nazisme sans réfléchir que leur soeur Juive aurait à en pâtir. Plutôt qu'une réflexion sur l'imbécillité guerrière, intolérante, anti-démocratique ou totalitaire des nazis,
le film se veut une réflexion qui incorpore une vraie note d'espoir, ce qui n'étiat pas facile dans la mesure ou tant de protagonistes
La sortie d'un livre consacré à l'histoire du cinéma, en cette époque
numérique, est toujours un évènement. Lorsqu'en plus c'est de cinéma muet qu'il s'agit, on a envie de soutenr le projet du mieux qu'on le peut, tant le projet parait risqué. Avec ce livre (Aux
éditions la tour Verte 
John Ford avait quitté la cavalerie en 1950, sur un Rio Grande pas vraiment convaincant dont le principal avantage était d'offrir à la republic Pictures d'Herbert Yates un film vite fait à donner en pature au public, avant d'entamer un autre opus qui lui tenait tant à coeur, The quiet man. Ce petit film inspiré comme l'étaient Fort Apache et She wore a yellow ribbon des récits de james Warner Bellah terminait une trilogie aux résonnances internes nombreuses, et les histoires en étaient tellement proches qu'on irait facilement jusqu'à parler d'auto-plagiat si on ne se retenait pas. Mais avec The horse soldiers, le propos s'éloigne des trois films de 1948, 1949 et 1950: il y est cette fois question de guerre civile: John Wayne y est le colonel d'un bataillon de soldats de l'union qui doivent s'introduire en territoire sudiste afin de préparer une offensive musclée par des opérations chirurgicales de sabotage et de reconnaissance. Il est flanqué d'un médecin (William Holden) avec lequel il s'accroche très vite, pour un oui ou pour un non: les deux hommes n'ont pas la même vision des choses et la présence d'un gradé qui n'est pas vraiment un militaire a tendance à irriter le vieux soldat; alors lorsque ce petit monde se retrouve accompagné d'une femme, Hannah Hunter (Constance Towers), une "Southern Belle" qui les a accueillis le temps d'un bivouac et qui essaie par tous les moyens de leur nuire (Espionnage, évasion, etc), la rivalité entre les deux hommes s'exacerbe...
C'est d'ailleurs là que le bât blesse: on a souvent le sentiment que ce film, pour lequel on est prêt à avoir une grande indulgence, rate sa cible en prenant trop le parti de s'en foutre un peu... C'est lent, la première partie possède peu d'attraits, à part la constante bataille entre les deux héros, et l'impression qui domine est que Ford pousse un peu trop John Wayne à assumer un rôle de monolithique vieux bougon: Ethan Edwards (The searchers), lui, avait au moins une certaine carrure et des circonstances atténuantes. 
Thomas
Ince, dans les années 10, était l'autre grand producteur et réalisateur de films qui dominait, aux cotés de Griffith. Particulièrement dédié au western, il était un patron imposant et respecté,
dont l'importance était d'autant plus grande qu'il était justement jugé comme un égal, c'est à dire un réalisateur au même titre que Griffith, dont les courts métrages étaient certes tournés en
indépendance quasi complète, mais qui était lui un employé de la Biograph. Pas Ince, qui était son propre patron, et surtout, qui était producteur avant tout. La confusion s'explique,
puisqu'après tout même Griffith n'était pas crédité à la réalisation à la Biograph. Mais les films tournés à 'Inceville' étaient supervisés, produits, parfois réalisés par Ince, mais d'autres,
aussi, se partageaient le travail, dont J. Farrell McDonald, Francis Ford (Le grand frère de) ou Reginald Barker. De fait le grand homme ne dédaignait pas (Sans doute pas au point d'un Disney
quelques années plus tard, mais pas forcément très loin non plus) de tirer la couverture à lui. quant aux principales raisons pour lesquelles il a été aujourd'hui éclipsé, eh bien, disons que
d'une part les films n'ont pas été aussi bien conservés que ceux de la Biograph, et surtout que Ince est décédé (dans des circonstances plus que mystérieuses semble-t-il) en 1924...
Granddad est un constat poignant: une petite famille vit tranquille, le père, sa fille et le grand-père tendre et un brin alcoolique, un vétéran qui meuble l'essentiel de ses
journées entre la boisson et le souvenir de ses exploits guerriers passés. Le père veuf ramène une pimbèche moraliste à la maison qui fait comprendre au grand père que ses manies sont dangereuses
pour l'éducation de la petite Mildred, et il choisit de quitter les lieux afin de ne pas se placer entre son fils et sa nouvelle épouse. Lorsqu'un vieil homme manchot se présente au bar que
fréquente le vieux grand-père et s'enquiert de ce qu'est devenu cet ancien soldat de l'union qui lui avait sauvé la vie à lui, un confédéré à l'article de la mort, les camarades du héros
l'amènent à un hospice pour pauvres ou le vieil homme est en train de se tuer à petit feu en travaillant. C'est le moment qu'a choisi Mildred pour emmener son père le visiter. Cette fin
mélodramatique est du plus haut sentimental, mais elle permet de clore le thème du film, à savoir l'importance du souvenir, du sacrifice, de l'héroïsme des vétérans. Le film a l'intelligence de
ne prendre aucun parti guerrier, et de montrer à travers le rescapé sudiste qui cherche son bienfaiteur nordiste, que la réconciliation a bien eu lieu. Je ne suis pas sur que les noirs de
l'Alabama le voyaient du même oeil en 1913, mais ne nous perdons pas dans des digressions: là encore, le film est riche, superbe, bien joué, et passionnant.
Night nurse est un sacré petit film, avec la grande Barbara Stanwyck; tourné la même année que The public enemy, à la Warner, le film bénéficie du savoir-faire du studio et de la mise en scène coup-de-poing du grand "Wild Bill", mais soyons aussi clair que possible: si le film joue beaucoup avec les codes contemporains (Présence d'un bootlegger, donc prohibition, pauvreté et crise, abandon coupable d'une mère qui boit et écoute du jazz en permanence, etc...), et se veut réaliste, on est quand même pas dans la réalité. Mais le monde dépeint dans le film, s'il n'est pas authentique, est une lecture raccourcie et fascinante d'une certaine Amérique de 1931, pas souvent représentée: Lora Hart (Stanwyck) est une jeune femme peu qualifiée qui profite d'un quiproquo pour devenir infirmière et va gravir les échelons jusqu'à devenir diplômée, et devenir l'infirmière de nuit d'une riche famille, dont le père est mort et la mère est tombée sous la coupe d'un inquiétant personnage, le chauffeur Nick (Clark Gable). Celui-ci laisse les enfants mourir à petit feu, afin sans doute de mettre main basse sur l'argent de la mère. Lora a le choix entre écouter sa conscience d'une part, ou se plier aux règles syndicales d'éthique, et ni faire des vagues, ni dénoncer le médecin en charge de l'affaire... avec l'aide d'une sympathique fripouille, pourvoyeur de whisky frelaté avec une morale, elle choisit pourtant la première solution...
par exemple les gangsters; cette vieille idée de prendre le contrôle la loi qui est aussi au coeur de ce beau film qu'est The star Witness donne à ce film une fin sardonique, réjouissante et inattendue...