Allen John's attic

C'est l'un des films les plus célèbres de Méliès, et il est frappant pour un point précis, sur lequel je reviendrai. Il repose essentiellement sur la combinaison savante de deux techniques, qui ont tellement amusé Méliès, qu'il va les utiliser dans plusieurs films en enfilade...

Un homme (Méliès) arrive sur l'écran, en venant du fond de la scène. Il installe une table, sous laquelle il dispose un système de tuyauterie. Il pose une tête vivante, similaire à la sienne, sur la table et procède à la faire gonfler... 

Le mécanisme que Méliès a utilisé pour "gonfler" sa tête est en fait d'avoir disposé devant un fond noir un chariot, tiré par une corde qui est directement dans l'axe de la caméra. Quand on tire le chariot, la tête se rapproche de l'objectif, et sinon elle s'éloigne. 

C'est très réussi, e on ne peut s'empêcher d'y voir une métaphore auto-ironique, à travers ce Méliès dont la tête enfle, au point d'éclater! Mais surtout, ça nous permet de voir un gros plan, un vrai, avec rapprochement en prime. Ce moyen, qui sera de nouveau utilisé l'année suivante dans Le voyage dans la lune, est aussi un ancêtre du travelling.

Mais ne nous emballons pas trop, car le simple fait, à l'époque, de placer une caméra à l'avant d'un train en marche, était aussi un ancêtre fortuit de cette technique... 

Retournant à la fois à l'inspiration "épique" de Jeanne d'Arc, et à celle, plus féérique, d'une narration comme Cendrillon, Méliès tourne cette fois-ci un conte cruel, qui s'accompagne comme il se doit d'une narration obligatoire, à moins d'être particulièrement au fait des péripéties du conte original... On peut s'interroger sur le fait que Méliès n'ait jamais intégré les intertitres dans son art, lui qui était pourtant à la pointe sur d'autres aspects techniques... Ca s'explique certainement de nombreuses façons, la plus évidente étant qu'il souhaitait rester dans un cadre forain, habitué à vendre ses films à des bonimenteurs qui eux-mêmes avaient pour coutume de présenter leurs bandes en les couvrant d'un monologue personnel, qui établissait un contact avec le public. Une autre explication était peut-être que Méliès, entièrement dédié à son art, était concentré sur SES films, pas ceux des autres!

En attendant une autre éventuelle explication, ce film est donc la lamentable histoire de la septième femme de Barbe-Bleue, qui eut l'idée fatale d'aller voir dans le mystérieux cabinet dont l'accès lui était interdit, y découvrant le spectacle d'horreur des anciennes épouses, égorgées dans une pièce couverte de sang...

C'est du moins ce qu'annonce le boniment, le film étant actuellement disponible en noir et blanc uniquement. C'est un film adroit, basé sur une succession d'une dizaine de tableaux. Méliès commence à comprendre la notion de suspense, et soigne ses transitions (généralement, un fondu) entre les différents tableaux par des moyens narratifs, par exemple quand le diable tente l'épouse et qu'elle se rend dans le cabinet, nous la voyons sortir du champ, et le diable se met à virevolter dans tous les sens, nous laissant dans l'expectative avant de nous montrer la séquence de la découverte...

Une autre innovation dans ce film, qui a du coûter cher en raison de l'abondance de figurants, est la présence d'une publicité, un placement de produit sans vergogne, qui est la vision d'un jéroboam de champagne, dont la marque est parfaitement lisible à l'écran: le champagne Mercier a donc contribué à financer les films de Méliès. Mais ce n'est pas le clou du film, car si on peut toujours demander à Anne, la soeur Anne, si elle ne voit rien venir, m'est avis que ce qu'elle a vu, c'est de l'horreur en habits de 1901.

Au début du XXe siècle, Méliès commence, par petites touches, à faire évoluer son art, y compris dans ses miniatures. Il continue à dédier beaucoup de temps de pellicule à des effets spéciaux, mais il cherche à les contextualiser un peu plus, et à en étendre l'intérêt au moyen de gags... Ce film en est un exemple, dans lequel l'illusionniste se sert d'un comparse pour déclencher le rire.

Méliès y est donc un prestidigitateur surdoué, doté d'un assistant un peu raide. Il retire un mouchoir de sa bouche, qu'il transforme en un aquarium; il utilise son assistant comme une pompe à eau, pour remplir l'aquarium, et enfin il retire deux poissons de sa bouche... Puis il se sert de son assistant pour être son public, et l'émerveille avec quelques apparitions/transformations bien senties!

Le truc de la pompe sera utilisé pour le personnage de Mr Creosote, interprété par Terry Jones, dans The meaning of life, la dernière production extravagante de la troupe des Monty Python...

Avec un tel titre on se doute que Méliès va soigner son décor! C'est donc dans un sombre cabinet, au milieu de statues diaboliques et de formes inquiétantes que se situe ce film. Le magicien place un squelette, qu'il va ensuite transformer en une jeune femme, habillée à l'antique. Elle entre en lévitation grâce au pouvoir du mystérieux sorcier, puis il la fait disparaître après l'avoir de nouveau transformée en squelette! Il joue un peu avec le décor, fait apparaître des bacchantes, puis se métamorphose à son tour en costume de ville: c'est Méliès.

Oui, le fait que Méliès soit ici le magicien ne surprendra personne. Derrière les aspects décoratifs et la dextérité confondante avec laquelle le cinéaste de Montreuil utilisait les effets spéciaux, on peut presque considérer ce film comme une métaphore de son art. Avec une progression, de l'inquiétant au rassurant...

Un magicien charme une chenille, qu'il enferme ensuite dans cocon. Un papillon en sort, sous la forme d'une belle dame qu'il va essayer de séduire...

Le film a été sauvegardé en noir et blanc, mais de toute évidence il appelait la couleur, tant par son décor que par les motifs des ailes du papillon. Méliès, qui tentait ici de conjuguer les éléments traditionnels de ses fééries cinématographiques (décors peints et costumes d'animaux) avec une inspiration orientale, pensait à cette époque les films pour la couleur. Du coup celui-ci, en étant privé, s'en ressent...