Allen John's attic

Si tu vas à Rio, n'oublie pas de monter là-haut... en effet!

L'intrigue de cette petite comédie musicale est très accessoire, et le film se présente clairement comme une tentative pour un studio moindre (la RKO) de concurrencer la Warner qui en cette année 1933 a déjà sorti trois comédies musicales révolutionnaires avec des ballets de Busby Berkeley, sur son propre terrain... On y voit un orchestre Américain, dirigé par Gene Raymond, et avec entre autres Fred Astaire et Ginger Rogers, se rendre à Rio pour un engagement dans un hôtel... Ils doivent y donner un spectacle, et évidemment le spectacle ne va pas pouvoir se faire à moins de trouver une idée de génie...

C'est un pur produit de son époque, après tout, et si on ne peut pas dire que Flying down to Rio arrive à la cheville de Footlight parade, 42nd Street et Gold diggers of 1933, au moins, sa vulgarité assumée, son côté gentiment foutraque et sa glorieuse loufoquerie lui assurent au moins une place dans l'histoire... Grâce aussi, soyons juste, à quelques passages formidables: une hallucinante variation d'un quart d'heure sur la Carioca (...PrYoupi), pour commencer, durant laquelle le scénario part purement et simplement et saute de la carlingue sans parachute; une série d'interventions spectaculaires de Fred Astaire, qui n'a pas volé le statut de star que ce film lui a volé; et UNE séquence à laquelle Berkeley n'avait pas pensé...

Bon, certes, en prime il y a Dolores Del Rio, impériale en amoureuse Brésilienne, à tel point qu'on aurait sans doute bien pu appeler le film Flying down to Del Rio... Mais Merian Cooper, le producteur de ce film, avait vraiment la passion de l'aviation, comme le prouve la séquence hautement improbable qui clôt le film: des girls fortement déshabillées qui dansent...

Et alors me direz-vous?

...sur les ailes d'un groupe d'avions. Sans Kong.

 Voilà un film auquel on ne s'intéresserait certainement pas si le nom de Stanley Donen n'y était pas attaché. Hélas! Sur une idée pas si stupide (Un remake Américain de 'Un moment d'égarement', de Claude Berri), Donen use vite ses cartouches, et peine à s'élever au-dessus du marigot boulevardier de la situation de base: un quadragénaire en pleine crise conjugale (Michael Caine) part en vacances à Rio avec son meilleur ami (Joseph Bologna) et se retrouve à vivre une aventure extra-conjugale avec la fille adolescente (Michelle Johnson) de celui-ci.

Michael Caine est comme toujours excellent (son malaise visible lui sert finalement très bien), et l'idée de ces interruptions narratives dans lesquelles les personnages s'adressent directement à la caméra renouvelle efficacement le genre: N'oublions pas que Donen est l'auteur du film définitif sur la crise de couple, Two for the road, qui se jouait en 1967 de la narration temporelle chronologique avec un brio jamais égalé. Mais ce film tombe dans les travers décoratifs typiques aux années 80: il est laid et sa musique est horrible. Certes, Donen a souvent été le cinéaste du divorce, des gens mal mariés, ou encore des héros qui retournent à la réalité conjugale, donc il est, malgré tout, dans son élément. Mais le manque total de tendresse du cinéaste pour le film qu'il était en train de faire est plus que palpable...

Et il y a pire : aujourd'hui, le seul argument qui soit généralement invoqué quand on fouille un peu les commentaires existants est impitoyable: sur les plages européennes, la mode était au topless en 1983, et la production a tout fait pour qu'on croie que c'était également la cas à Rio... La scène qui voit Caine et Bologna débarquer sur une plage, entourés de plusieurs centaines de jeunes femmes exposées, est l'une des plus gratuites séquences d'exploitation pure et simple que j'aie jamais vues... la comédie, elle, est glauque, et tout simplement pas drôle. 

1940: les nazis s'apprêtent à fondre sur l'Europe et selon toute vraisemblance vont ne faire qu'une bouchée des Français et des Belges. Conscients du risque de la barbarie mais déterminés à maintenir la paix à tout prix, le premier ministre du Royaume Uni, ainsi accessoirement que le roi George VI ont du mal  imposer leur vision, d'autant que l'opinion, mais aussi les partis d'opposition, considèrent Chamberlain comme l'un des responsables indirects de la montée en puissance d'Hitler... Un changement de leader s'impose au parti conservateur, qui entraînerait un changement de cap purement symbolique. Chamberlain est donc à la manoeuvre pour trouver un remplaçant, si possible un homme de paille.

On choisit donc ce pauvre Winston Churchill... Le film va raconter comment en quelques semaines, le leader hésitant et arc-bouté sur une vision de la guerre restée bloquée sur 1915, va se transformer par la grâce de son environnement, en un symbole de résistance...

Et disons-le tout de suite, car ça fait beaucoup râler nos critiques jamais contents, oui: Churchill est ici un peu sa version officielle. Il n'est pas question des zones d'ombre, si ce n'est à travers un pragmatisme un peu cafouilleux. Rien sur son antisémitisme avéré, rien non plus sur son conservatisme d'un autre siècle. Et puis après tout, ce n'est pas le sujet: le propos du film, c'est la place d'un homme dans l'histoire, ce n'est pas l'histoire de cet homme! Le film commence et finit au printemps 1940, avec comme point culminant un discours retentissant, célèbre, et profondément juste: celui par lequel Churchill, dont on attendait qu'il lance des négociations de paix avec Hitler, finit par affirmer sa volonté de défendre jusqu'au bout la Grande-Bretagne, et par là-même, la liberté et la démocratie...

Le film de Wright est l'occasion pour le metteur en scène de dépoussiérer son style "évocation BBC" de Charles II: the power and the passion, sa mini-série de 1999, et d'en enrichir la mise en scène par un recours aux décors virevoltants, en plus réaliste toutefois que le brillant mais baroque Anna Karenina; il se glisse derrière Gary Oldman dans les dignes palais de l'Empire Britannique (Westminster, Buckingham, comme dans les poussiéreux couloirs souterrains des QG de campagne. Et il n'oublie pas non plus de suivre son sujet (ses cigares, ses verres d'alcool à heure fixe, ses colères marmonnées, ses éclats de voix) chez lui, au milieu de ses proches et de ses amis. Et le film se laisse voir sans aucun temps mort...

On pourra éventuellement reprocher à Gary Oldman un cabotinage excessif (mais l'acteur n'a jamais été un minimaliste...), et je dois avouer qu'il est certes impressionnant, mais que j'ai du mal à voir Churchill dans sa composition: la voix, peut-être? le double menton? Qu'importe, ce film qui fait semblant d'épouser le lyrisme des temps héroïques qu'il nous conte est surtout une nouvelle évocation d'une personnalité inadaptée face à un destin paradoxal: une fois de plus, un sujet qui pousse le metteur en scène à être extravagant. C'est aussi ça, le cinéma... Bref, du plaisir.

Dans le milieu des concours canins, une rivalité mène à la mort d'un homme. Détesté de tous ceux qui le côtoient, il est retrouvé chez lui, une arme en main, dans une pièce fermée de l'intérieur... Mais Philo Vance, le détective qui lui aussi est intéressé par le milieu compétitif canin, ne croit pas une seconde à son suicide. Et il ne va pas tarder à prouver qu'il a bien raison... Mais il va aussi montrer qu'il n'y a pas UN meurtre, mais plusieurs.

Michael Curtiz a traité ce sujet très classique de façon très frontale: c'est un whodunit très classique dans lequel une liste de suspects longue comme le bras (une jeune femme trop bien sous tous rapports, des personnages interlopes ayant un peu trop roulé leur bosse, un majordome au passé louche, etc...) est d'abord vue en pleine action: les événements banals qui se déroulent sous nos yeux dans la première bobine servent à planter dans notre cerveau captif de spectateur satisfait la suspicion d'absolument tout le monde dans le film! Et c'est ça qui est bien, non pour la noblesse de l'exercice, car s'il y a bien un domaine de la fiction policière qui n'est en rien noble, c'est le whodunit! Non, c'est bien parce qu'une fois aiguillé vers la résolution finale, le spectateur n'a plus à se préoccuper de rien d'autre que de regarder le film concocté par Michael Curtiz.

Et celui-ci s'est fait plaisir! Passant outre les pesanteurs de l'adaptation théâtrale, le metteur en scène choisit comme le ferait Hitchcock d'innover absolument partout, ne répétant jamais le moindre mouvement de caméra, plaçant celle-ci de manière inattendue dans les endroits les plus improbables en variant ainsi la composition constamment. La suspicion créée par le prologue est maintenue, soulignée par une mise en scène rigolarde qui ne s'embarrasse jamais de subjectivité inutile, et donne souvent la part belle aux rigolos: Eugene Pallette en inspecteur désireux de ne jamais écarter la piste du suicide, ou Etienne Girardot en médecin légiste appelé littéralement tous les quarts d'heure, et qui aimerait bien un jour disposer de temps pour déjeuner...

Bien sûr Curtiz va "signer" son film en utilisant sa magie des ombres au moment où William Powell expose sa théorie quant au meurtre. Le flash-back hypothétique nous montre l'ombre fantomatique d'un suspect pour l'heure inconnu. Les dialogues fusent les nombreux personnages qui râlent, mentent, dissimulent, haïssent, sont tous vivants... Enfin presque tous bien sûr! Et on peut se demander, devant ce film de 1933 avec lequel William Powell incarne un détective mondain et surdoué, dans quelle mesure ce pourrait être un prototype pour le célèbre The Thin Man, qui sera tourné à la concurrente MGM l'année suivante...

Comme son titre l'indique sans prendre trop de gants, ce film est l'inévitable suite du film de 1934 The thin man qui introduisait les personnages de Dashiell Hammett, Nick et Nora Charles. C'est la première de cinq suites, qui sont bien dans l'esprit des "franchises" développées par la MGM de Louis B. Mayer entre les années 30 et 40: Dr Kildare, Tarzan... 

L'intrigue est de nouveau l'occasion de fouiller dans les squelettes familiaux d'une bande de personnages traités avec la dent dure d'une comédie de situation assez corrosive, même si l'accent, deux années après l'introduction du code de production, est porté sur la respectabilité de la famille, cette fois, plus que sur ses turpitudes... On cherchait autrefois le meurtrier du père divorcé, on cherche cette fois à trouver qui a commis l'assassinat du mari dissolu... dont pas une occasion ne manque pour souligner le fait qu'il ne manquera décidément à personne!

En parlant de famille: deux indices insistent sur le fait que la série est devenue une vraie occasion de sortir en famille: un épisode situé dans l'introduction du film, met en vedette Asta, le chien des Charles, un vrai cabotin. Un intermède certainement destiné à attirer les enfants vers la série... mais l'anecdote montre quand même qu'Asta, lui, a aussi de sérieux problème conjugaux en même temps qu'une impressionnante descendance...

L'un des intérêts, au-delà du plaisir constamment renouvelé de retrouver Nick, Nora, et leur consommation déroutante de produits liquides (qui tourne à l'avantage de Nick, partant du principe qu'un alcoolique masculin fait toujours plus rire qu'une alcoolique, fut-elle interprétée par Myrna Loy), reste le rôle confié à James Stewart, sur lequel j'aurais beaucoup de choses à dire... si je ne craignais d'en révéler trop. Disons en tout cas que parmi ces gens comme il faut, des oisifs richissimes, David est celui qui a choisi d'admirer les arts, si j'en crois sa collection entrevue chez lui. Et il n'est décidément pas comme les autres: il y a du message subliminal dans l'air, un peu rance, mais bien de son époque.

Pour le reste, disons que le film, en étant clairement un peu moins bon, reste du divertissement impeccable de fort bon niveau...