Allen John's attic

On entre dans ce film par un avertissement maison, qui fait bien attention de se distinguer des autres avertissements du genre: on est prié d'y croire que si Gustave Minda, héros du film, semble obéir à une morale, elle n'a rien d'une morale à suivre. Les mentions d'usage viennent ensuite, nous annonçant que cette histoire, inspirée d'un roman de José Giovanni, est bien sûr fictive... On aura reconnu les précautions d'usage qui sont là pour rassurer la production, et par là-même la censure tatillonne. Mais ça a surtout l'avantage de nous installer dans le vif du sujet: car si Gustave Minda est bien un truand, et même un assassin, il n'empêche, il a une morale. Un honneur. Et c'est bien là le sujet...

Un malfrat, Gustave Minda (Lino Ventura) s'évade en compagnie de deux autres hommes. L'un d'entre eux meurt dans les abords de la prison, mais les deux autres parviennent à s'éloigner... Puis ils se séparent, et Gustave Minda va pouvoir reprendre le fil de sa vie, du moins le croit-il. Mais s'il n'aura aucun mal à retrouver les deux personnes qui comptent le plus pour lui, son ami Alban (Michel Constantin) et sa compagne Manouche (Christine Fabréga), en revanche le retour aux affaires sera plus dur: tout a bien changé lors de son passage prolongé à l'ombre...

En effet, Gustave 'Gu' Minda était en prison depuis longtemps, et le monde a continué sans lui. le code d'honneur qui régissait à l'époque la vie des truands a bien changé, et si de son temps un bandit était un bandit, et un flic un flic, aujourd'hui le commissaire Blot (Paul Meurisse) demande au malfrat Joe Ricci (Marcel Bozzufi) des nouvelles de ses gosses, et offre même fort galamment sa protection à Manouche. Ces nouvelles manières ne conviennent pas à Minda, qui souhaite encore vivre selon les anciens codes. 

C'est Meurisse qui fournit les moments les moins austères, comme cette scène hallucinante de drôlerie qui voit le commissaire intervenir sur les lieux d'une fusillade et faire à lui tout seul l'interrogatoire des témoins, dont il sait bien qu'il ne diront rien. La scène est un plan-séquence, et si on y rit, c'est bien le seul moment, dans un film qui est quand même généralement un requiem grave. On y suivra jusqu'au bout Gu Minda, dans sa quête de survie d'abord, puis d'honneur. Car une fois franchie la ligne rouge de la trahison, il sait qu'il va lui falloir laver son honneur avant même de garder la vie: une fois de plus, Melville s'intéresse aux codes qui régissent la vie des hommes, en situation exceptionnelle. Son film, sec mais magistral, est fantastique, et offre à son acteur principal l'un de ses plus beaux rôles...

Porky Pig engage un veilleur de nuit inepte pour garder un oeil sur un élevage de poulets, mais... un renard a compris le parti qu'il pouvait tirer de sa crétinerie.

Sur au moins deux points, voici un film particulièrement inhabituel. D'abord parce que jusque à un certain point, on y décèle quelque chose de rare dans ces petits courts métrages dont le maître mot est plutôt "défouloir": une morale. Freleng aurait gardé quelque chose de son passage chez Fred Quimby? 

Mais sinon, la grande nouveauté de ce film, c'est qu'il me semble qu'en terme de dessin même, d'animation également, c'est le plus beau de tous les Looney tunes en noir et blanc que j'ai pu voir... Les ombres sont très soignées et nous donnent un volume inhabituel, et les deux personnages principaux sont particulièrement bons. Ajoutons les voix, superbement bien rendues, et on pourra conclure que décidément, le vétéran Freleng avait du répondant.

Pourquoi un remake du film de Don Siegel, paru en 1971, qui déjà adaptait le même roman de Thomas P. Cullinan? Sofia Coppola, qui ne souhaitait pas le faire au départ, y a vu une opportunité d'inversion: contrairement au film avec Eastwood, celui-ci en effet prend le parti de nous donner de manière systématique un point de vue féminin, prenant acte de la présence à l'écran de sept filles, jeunes femmes ou femmes plus matures. Et c'est ce qui fera la différence, justifiant du même coup cette deuxième adaptation.

En 1864 en Virginie, en plein territoire Sudiste donc, un caporal de l'armée de l'Union est recueilli par les sept personnes qui restent dans un institut de jeunes filles comme il faut: la directrice de l'établissement, Martha Farnsworth (Nicole Kidman), une des enseignantes, dont on devine qu'elle est ce qu'on appelle communément une "vieille fille", Edwina Morrow (Kirsten Dunst), et cinq pensionnaires âgées de 10 environ, à 18 ans. Et si l'idée de base c'est de soigner le Caporal John McBurney (Colin Farrell) avant de le remettre aux autorités confédérées, les sept sont immédiatement fascinées et attirées par lui, et il compte bien se servir de cette fascination pour les prendre en otages...

Le remake ne s'imposait malgré tout pas, et il faut sans doute le considérer comme une étape à part, qui permet à Sofia Coppola de réaffirmer certains de ses thèmes de prédilection. Après tout, comme dans The Virgin Suicides, ce nouveau film explore l'affirmation de la sexualité féminine dans un processus de réclusion, et on retrouve immanquablement des connections avec les aliénations de Lost in translation et Marie-Antoinette. Mais ce qui me frappe, c'est la façon dont en contrebande, Coppola amène des réminiscences troublantes de Picnic at Hanging Rock, de Peter Weir, un film dont j'avais déjà émis l'hypothèse que la réalisatrice de Virgin Suicides s'en était inspiré... Les rituels, les moments de préparation des jeunes pensionnaires, et la façon dont la vie se déroule dans la pension, en viennent tout droit. La photographie de Philippe Le Sourd est une merveille. Et les actrices, toutes sans exception, font un travail remarquable, en particulier Kirsten Dunst. 

Oui, c'est bien une comédie: à sa façon, Sofia Coppola reprend pour elle une observation à la Tati, en nous donnant à suivre les aventures de Bob (Bill Murray), un acteur venu à Tokyo cachetonner dans la pub, et fuir sa famille, et de Charlotte (Scarlett Johansson), la diplômée de Philosophie qui se perd dans un mariage avec un photographe de stars (Giovanni Ribisi) qui lui est de plus en plus étranger, la réalisatrice nous donne à voir un décalage qui débouche sur une certaine forme de poésie... 

Sofia Coppola a pris son temps, et elle a réussi le passage au second long métrage: cette chronique douce-amère sur la rencontre en terrain peu propice (A Tokyo, pour deux occidentaux qui ne parlent pas la langue) de deux solitudes forcées, deux personnages en pleine crise se demandant si la voie amoureuse qu'ils se sont choisi est la bonne, est une merveille de délicatesse, aidée bien sur par l'excellence des deux acteurs (Bill Murray et Scarlett Johansson), et la réussite à rendre de façon physique au spectateur les difficultés à évoluer en plein cirage pour deux noctambules en plein décalage horaire. Ce dernier aspect,  qui va plomber Somewhere sert particulièrement bien ce film-ci, dont le succès a été on ne peut plus mérité. 

On aime la rencontre magique entre deux personnes que tout opposait dans la mesure où ils n'auraient sans doute jamais du se rencontrer, et aussi parce que les convenances, sociales, professionnelles ou même tout simplement affectives ne jouent pas en leur faveur... sans parler bien sûr de leur différence d'âge.

Il est plaisant de se perdre dans ce film, et son décalage permanent entre bande-son (le Japonais omniprésent) et l'image (voyez la situation avec les yeux de Bille Murray!), et de suivre les acteurs jusqu'à une fin d'une rare élégance: ni fermé ni ouvert, ce dénouement qui nous montre les deux amoureux (et non amants, car il n'ont pas consommé!) se faire des messes basses est la porte ouverte à toutes les évasions...

Fantasia allait sortir en novembre, et ce film, nettement moins prestigieux, et surtout moins sérieux, a quitté le studio en octobre 1940... Clampett s'y livre avec une inconscience militante à une série d'anachronismes joyeux, en nous présentant une préhistoire taillée pour le cartoon, dans laquelle Porky Pig, pour une fois véritable héros de la chose, serait plus ou moins le roi de tout! Les dinosaures y côtoient donc les oiseaux et les cochons humanisés, pour le plus grand plaisir de tout un chacun.

Et donc, le cochon en question se livre à une chasse à l'ours, parce qu'il n'a plus rien à se mettre. Ca nous occasionne bien sûr une série de jeux de mots autour de bear skin/bare skin, soit peau d'ours par opposition à peau nue, et si on est effectivement en matière d'animation bien en dessous des prouesses de Disney, au moins le film est-il plus qu'intéressant dans sa version noir et blanc, qui se pare d'une atmosphère inquiétante...