Allen John's attic

Si la production des Bugs Bunny est dominée en nombre par les films de Freleng et McKimson (Qui ont été les seuls réalisateurs à travailler sur le personnage en 1948), les films tournés par Chuck Jones sont désormais les plus intéressants du lot! Jones n'a pas encore sorti son premier dessin animé des aventures malencontreuses du Coyote et de son tant désiré, mais trop rapide pour lui, oiseau idiot, mais il ne va pas tarder, et il est déjà un peintre paradoxal de l'absurdité humaine, qui n'a pas son pareil pour rendre abstrait le plus trivial des, par exemple, matches de boxe... Et il s'en passe des choses sur ce ring, vous pouvez me croire!

Comme dans Baseball Bugs (De Freleng), Bugs est enrôlé pour se battre contre un adversaire trop grand pour lui, mis une fois sur le ring (Après une notable et inattendue période d'hésitation bien compréhensible), il va triompher de façon systématique au cours de 110 rounds, avant de trouver une façon de finir un cartoon qui aurait pu durer très longtemps, en rappelant que Bugs Bunny se rend maître de tout, y compris de la matière filmique représentée par les films dont il est la vedette. Bon, ce n'est sans doute pas le plus réjouissant des films de Bugs Bunny, mais il convient de s'y attarder de temps à autre...

Une tribu Sioux prend assez mal la violation d'un accord par une compagnie Américaine qui vient installer un chemin de fer sur la réserve, et s'attaque au fort dans lequel un pauvre bataillon de la cavalerie va souffrir. Mais la tragédie viendra en réalité d'ailleurs, du destin individuel d'une jeune femme Indienne qui sera une victime indirecte de la situation. Les Indiens, ici, sont certes une menace, mais décente, rationnelle, débarrassée des oripeaux du racisme ordinaire dont on accuse souvent le western à tort. Et le film, attribué à Thomas Ince, mais probablement du en réalité au grand frère de John Ford, Francis, qui était un acteur-réalisateur très actif à l'époque, est le premier à mettre en scène une vraie tribu Indienne, tout en proposant une vision de l'Ouest nettement plus réaliste que ne le feront bien des films ultérieurs.

Encore un film de Max Linder qui part d'une situation médicale: comme Max Linder ne se sent pas bien, il va voir un médecin qui lui prescrit de boire un verre de quinquina par jour. Avec son épouse, il ne trouve qu'un seul verre pour absorber le liquide, le médecin lui ayant conseillé d'utiliser "un verre à Bordeaux", ils choisissent donc un immense récipient, sur lequel est estampillé "Souvenir de Bordeaux"! Inévitablement, Max se sent bien mieux après absorption de la boisson, et part en vadrouille immédiatement. Il se rend dans un café où il se fâche avec plusieurs clients. Tous lui donnent leur carte, et il terminera la journée en revenant se coucher... mais pas chez lui, ce qui provoquera des problèmes.

C'est l'un des films les plus connus de Linder, et l'un de ses plus classiques aussi. On constatera plusieurs aspects dans cette bobine qui lient l'oeuvre de Linder à celle de Chaplin: une certaine tendance dans ce film à s'attacher avec minutie à tous les gestes d'un fêtard, dont l'enchaînement des tribulations provoque également un enchaînement des catastrophes, est à la base de One A. M., mais aussi de The Rounders (Tourné par Chaplin en collaboration avec Arbuckle), et cette veine comico-éthylique se poursuit chez Chaplin jusqu'à City lights. Pour Linder, on pense bien sur à quelques séquences de Seven years bad luck, mais aussi à Be my wife qui tourne beaucoup autour de la soûlographie à l'age de la prohibition. Mais dans Max victime du quinquina, on constatera aussi un début de prise de conscience esthétique pour Linder qui jusqu'à présent tournait ses films sans trop se préoccuper de l'image. Un plan est frappant par son côté comique: après l'absorption du liquide, une voiture est en attente devant la maison de Max. Elle est vue de l'arrière, et simultanément, Max (A gauche) et un autre monsieur (A droite) entrent dans le véhicule. Une fois dedans, ils sortent immédiatement, se retrouvent tous les deux au premier plan pour se confondre en excuses, Puis... retournent ensemble pour rejouer exactement la même scène. Une simple observation débouche ici sur un effet visuel, qui confine à l'absurde. Voilà qui place immédiatement Max à l'avant-garde des comiques Français. En même temps, au vu des films de Bosetti, Jean Durand et Georges Monca, ce n'était pas trop compliqué!

Dans le film tel qu'il se déroule, on trouve un autre lien avec Chaplin, mais qui débouche sur une curieuse absence de scrupules: là ou Chaplin aime beaucoup montrer ses personnages qui défient les moments solennels en affichant ouvertement des remontées de gaz grossières, l'artiste s'arrêtait toujours à temps: mais là ou Chaplin jouait à nous faire croire qu'il vomissait depuis le bateau de The immigrant, Linder lui vomit carrément dans le chapeau d'un de ses antagonistes, qui va en plus mettre le chapeau sur sa tête, et en recevoir l'inévitable conséquence. C'est presque choquant,..

Avec ses qualités et ses défauts, ce film montre en Max Linder un auteur décidé à forger sur les bases qu'il a installées auprès du public (Un ton, un univers et un personnage qui sont tous distinctifs, reconnaissables et appréciés) un comique qui va jouer, de plus en plus, sur la précision des gestes. Une tentation du raffinement, que ne permettait pas toujours ni l'économie particulière du cinéma comique Français dans lequel il fallait travailler vite et sans trop dépenser, ni le tempérament de Linder qui filmait tout ce qui bouge sans jamais prendre le temps de s'arrêter. En attendant, avec ce film qui s'est très bien vendu dans le monde entier à partir de sa sortie en janvier 1912, Max Linder a définitivement imprimé sa marque.

Ce film est un classique, mais c'est aussi un paradoxe à sa façon: réalisé durant la période qui suivit un accident de Linder, il est crédité à Lucien Nonguet, un réalisateur à tout faire de chez Pathé, qui a souvent été présent pour seconder Linder durant cette période. Et il a aussi du s'illustrer dans les pochades gentiment anarchistes de la production burlesque, qui était souvent à des années lumières de l'inspiration boulevardière de Max Linder, et qui se déclinait en des kilomètres de films courts se terminant immanquablement par une poursuite délirante... Pourtant Max prend un bain est presque une synthèse de ces deux tendances comiques.

Max Linder a un gros problème de santé: un tic envahissant dans l'épaule gauche lui mine la vie. Le médecin qu'il consulte n'a qu'une solution, apparemment simple, à lui fournir: il va lui falloir prendre un bain froid par jour! Max s'achète donc une baignoire, qui va être difficile à transporter chez lui, puis tente de se préparer un bain... Mais le robinet est mal placé, sur la palier de son appartement: Max est donc obligé d'y placer la baignoire, en espérant qu'il n'y aura pas trop de passages dans l'escalier. Bien sur, il y en a: une dame bien comme il faut, un clochard et un voisin se succèdent! Pour finir, la maréchaussée est convoquée pour l'arrêter, et tout ce petit monde se poursuit sur les toits.

On reconnait le vieux procédé si visible des murs dessinés en trompe l'oeil sur une toile mise à même le sol, donnant l'illusion que les acteurs qui évoluent dessus à l'horizontale sont en fait à la verticale. Du reste, avec une baignoire lourde sur la tête, il aurait sans doute été malaisé pour Max Linder de tenter une escalade...

Ce film était dans l'air depuis 1993, et Michael Mann n'a été que le dernier des réalisateurs intéressés par le projet, longtemps après que Will Smith n'ait pris une option pour le personnage du légendaire boxeur Cassius Clay, qui a changé son nom en Mohammed Ali. Mais le réalisateur n'a pas pour autant traité le sujet à la va-vite, il l'a fait comme toujours avec rigueur et un sens impressionnant du rythme...

Au moment où le film commence, la ségrégation bat son plein dans le Sud, et celui qu'on appelle encore Cassius Clay se prépare à combattre pour son premier titre de champion du monde, contre le tenant du titre Sonny Liston. Le combat a lieu à Miami, et parmi ceux qui gravitent autour du boxeur, figure en bonne place son ami Malcolm X. Le film montre de quelle façon le leader de la Nation de l'Islam, Elijah Mohammed, va jouer Ali contre X, en favorisant le jeune boxeur (Auquel on donne un nom alors qu'il n'est pas sensé encore en être digne) contre le prédicateur. De combat en combat, le film reste dans les coulisses de l'histoire: on voit de quelle façon Ali refuse de partir au Vietnam, lançant une bataille juridique contre l'état. On voit surtout de quelle façon le boxeur procède, par éclats médiatiques, et souvent humoristiques, pour avancer sa carrière et se maintenir, avec culot, au sommet...

Les combats ne sont pas tout dans le film, mais Mann les approche avec une certaine gourmandise. Il joue à chaque fois sur l'urgence, en poussant le spectateur à les regarder comme si rien n'était joué d'avance. Le reste est passionnant, avec une impression d'assister à tout un pan des années 60 et 70 (Le film ne couvre que la période 64-74) qui est occulté habituellement... Car Mohammed Ali, c'est une histoire repeinte en noir, celle qu'on n'a pas encore intégrée parce que jusqu'aux années 60, l'histoire des Etats-Unis est essentiellement une affaire de blancs. Outre Mario Van Peebles en Malcolm X, l'entourage de Mohammed Ali permet à de nombreux acteurs Afro-Américains de s'illustrer avec brio, de Jeffrey Wright à Jamie Foxx en passant par Jada Pinkett Smith ou Gianni Esposito. Surtout, le film prend fait et cause pour Ali, un nouveau héros paradoxal pour l'auteur de Heat, qui comme tant d'autres sollicite la confrontation, dont il se nourrit et nourrit sa légende. Un regret toutefois, le fait que Ali vive en permanence dans la publicité, dans les médias, mais donne l'impression de n'avoir aucune vie privée. Je n'ai pas dit de "vie intérieure", mais c'est vrai qu'avec Will Smith, on pouvait sans doute difficilement éviter ce côté si uniformément culotté du personnage...