Allen John's attic

Un scientifique coincé sur Mars et tentant d'y survivre en attendant d'hypothétiques secours, c'est un défi de science-fiction qui sied particulièrement bien à Ridley Scott. On se rappelle de quelle façons le réalisateur a créé de toutes pièces des mondes cohérents, riches et fabuleux dans ses trois films de science-fiction précédents, surtout bien sur les deux premiers, Alien et Blade runner: pensés jusqu'au moindre détail, habités, et riches en ramifications. D'ailleurs Prometheus est une de ces ramifications... Mais The Martian est une nouvelle paire de manches, comme on dit, l'intrigue prenante devant y voisiner avec la rigueur scientifique, du moins dans l'esprit du grand public. La marge de manoeuvre en ces temps de vraisemblance sacrée, est assez étroite, et on sait que Ridley Scott ne s'embarrasse jamais trop de vraisemblance, préférant le plus souvent l'efficacité. Et pour ça, le film est en effet efficace! Mais il est plus que ça! Rappel des faits:

Lors d'une mission habitée sur Mars, les six astronautes sont pris dans une tempête de sable extrêmement violente. Durant l'évacuation, l'un d'entre eux, Mark Watney (Matt Damon), est emporté et sa combinaison est légèrement trouée. Les autres perdent sa trace, mais acceptent l'idée que selon toute vraisemblance il est mort. Ils partent donc pour un voyage de quatre années vers la terre, la mort dans l'âme. De son côté, Mark Watney a survécu, et après la tempête se réveille groggy, blessé, avec une fuite importante d'oxygène, mais vivant, après tout. Il va retourner à la base, et organiser sa survie: le but? reconstruire son univers pour y vivre quatre années avant l'arrivée hypothétique de la prochaine mission, créer les conditions de la culture durable de nourriture (Il est botaniste, et ça tombe bien, il y a des pommes de terre dans les réserves), et tenter de trouver un moyen de contacter la terre, qui pendant ce temps, a annoncé sa mort.

Matt Damon fait partie, à mon humble avis, de ces acteurs qui ne jouent jamais pour les Oscars. Il est fidèle à lui-même ici, et fait un travail fantastique. J'ai envie de dire qu'on n'en attendait pas moins, mais ça méritait d'être signalé une fois de plus. Son rôle n'est pas si éloigné de celui de Tom Hanks dans Cast away (2000) de Robert Zemeckis, à un certain nombre de nuances près: Dans Cast away, c'est d'une renaissance totale qu'il s'agit, et d'un retour spectaculaire d'un homme à la vie par ses propres moyens, alors que dans The martian, l'enjeu est pour Mark Watney d'utiliser toutes les ressources scientifiques à sa disposition en plus de son caractère personnel. Et bien sur, il s'agit plus de pousser l'humanité à regarder de son côté pour venir le sauver, que de trouver en lui-même les ressources presque mythiques d'assurer sa survie. A ce titre, le film n'a pas de dimension religieuse, ce qui est assez courant chez Ridley Scott, un athée convaincu. Une scène durant laquelle Watney manipule un crucifix nous apprend d'ailleurs qu'il est tout simplement à la recherche de matériau inflammable! Et la dimension humaniste du film ressort encore un peu plus: en ces temps de repli sur soi face aux menaces (Environnementales, terroristes, économiques, politiques), The Martian choisit de rappeler qu'être humain, c'est aussi pouvoir se mobiliser pour sauver une personne. Et le film nous montre comment la NASA va organiser les conditions du secours, comment certains dans cet organisme gouvernemental sérieux vont aller à l'encontre des principes, protocoles et autres ordres, pour sauver coûte que coûte le botaniste Watney. Et si la NASA ne suffit pas, pourquoi ne pas faire intervenir une agence Chinoise? Ainsi, c'est toute l'humanité qui attend la nouvelle du retour de Mark Watney.

Le film est non seulement formidablement prenant dans son intrigue qui ne vous lâche jamais en 150 minutes, avec son scientifique qui cache son désarroi en parlant à un écran (Ce dont nous profitons bien sur pleinement) et en multipliant les traits d'humour, mais en plus la façon dont l'esprit de débrouille se propage chez les terriens est elle aussi magistrale, avec les acteurs Jeff Daniels, Chiwetel Eijofor, Jessica Chastain et Michael Pena, tous impliqués dans cette rocambolesque aventure si délicieusement humaniste. Oubliez les commentaires politiques du moment, les gens qui vous disent qu'un pays "ne peut accueillir toute la misère du monde", ou que "les caisses sont vides", ou les inquiétants penseurs qui préconisent une inégalité de traitement afin de rétablir les économies: ce film vous rappelle que l'humain est un animal capable de se mobiliser pour son prochain, sans que le film ne débouche jamais sur la démonstration lénifiante ou dégoulinante..

L'année commence par la sortie d'un film de McKimson, Hare we go, plutôt bon, dans lequel Bugs est confronté à une vedette historique, puisqu'il s'agit de rien moins que Christophe Colmb lui-même. La confrontation entre le lapin malin, une équipe de marins bras cassés, tous superstitieux (On sait que la présence d'un lapin n'est pas à proprement du genre à conteter ces gens sur un bateau), et la figure légendaire mais ombrageuse de grand homme fait mouche, d'autant qu'on s'amuse bien avec l'accent Italien...

Du à Chuck Jones, Bunny hugged voit le retour de l'énorme catcheur The crusher, déjà vu dans Rabbit punch sous un autre nom. Bon, Bugs Bunny faisant de la lutte avec un gros costaud, sous la direction de Jones, ça marche à tous les coups...

Je ne reviendrai pas sur Rabbit fire, de Chuck Jones, qui fait partie de la fameuse trilogie de dessins animés mettent en scène Bugs et Dafy contre Elmer qui a repris ses activités de chasse...

French rarebit est un exercice de style à moitié satisfaisant de Bob McKimson, dans lequel il met Bugs aux prises avec deux chefs Français, qui se disputent le lapin pour leurs recettes. C'est gentiment caricatural, mais comparé à l'extraordinaire réinvention du Français par Jones et Maltese dans les Pepe le pew, c'est quand même un poids léger.

Dans Ballot box Bunny, Friz Freleng oppose Sam et Bugs d'une façon inédite: ils sot tous les deux candidats au poste de maire d'une petite ville de l'ouest. On peut s'étonner de voir l'anarchisant Bugs Bunny faire de la politique, mais c'est motivé: parmi les promesses vides de sens, Sam a annoncé qu'il supprimerait tous les lapins.

Enfin, Big Top Bunny est un film de McKimson assez typique, dans lequel Bugs Bunny est invité à se joindre à la troupe d'un crique, afin de servir de partenaire pour un ours très jaloux de sa supériorité, qui va donc tout faire pour éliminer le rongeur. C'est moche, mal foutu, et pas drôle. On est bien dans l'univers de McKimson, donc. Je continue à me poser la question: mais pourquoi le laissait-on faire?

Le dernier film muet de Dupont est situé, comme son nom l'indique, en plein coeur de Londres, dans le milieu du spectacle, continuant de façon évidente la thématique de Variétés (1925) et Moulin Rouge (1928). Aux acrobates du film Allemand, et à la danseuse de son premier film Anglais, il oppose cette fois le patron du night-club le plus en vue de London by night, interprété par Jameson Thomas, et deux femmes toutes deux danseuses, qui se livrent une concurrence sournoise pour le coeur de l'homme précité: Mabel, interprétée par Gilda Gray, et la belle Shosho, ancienne plongeuse de l'établissement promue vedette grâce à la fascination du patron pour elle, interprétée par Anna May Wong. Le film était produit dans cadre de la British International Pictures, dont le but avoué (Dès la dénomination, en fait) était de porter hautes les couleur du cinéma Britannique sur les cinémas du monde entier... D'où la présence dans la production de deux recrues de choix: le metteur en scène, dont le succès de Variété en 1925 (1926 pour le reste de la planète) était encore dans toutes les mémoires, et bien sur Anna May Wong.

Cette dernière n'a jamais eu l'aura qu'elle méritait, en même temps, sa présence presque systématiquement "en contrebande" lui a conféré un statut d'icône underground qu'elle n'aurait sans doute pas eue, si elle avait réellement été mise en valeur par les grands studios, au-delà de son image quasi-permanente de second rôle incarnant de façon fleurie, colorée et souvent raciste, les mystères de l'orient... Dans ce film qui la voit jouer une danseuse parvenue à un niveau de vie inattendu et miraculeux, mais qui semble consciemment pratiquer la promotion canapé, et finira mal, elle n'échappe pas à l'habituelle incarnation de la séduction érotique, mais elle bénéficie d'un rôle plus avantageux que d'habitude, devenant par la grâce d'un meurtre, l'objet littéral du délit: fortement érotisée (En dépit des restrictions particulièrement drastiques imposées par la censure Britannique), convoitée par tous les hommes, Shosho ne pouvait que finir mal. On s'interroge sur la portée réelle du film quand on voit que le crime, les bas-fonds (Ah, Limehouse...), la pauvreté et la pègre sont intimement liées dans le film à la communauté Sino-Britannique, mais on constatera aussi qu'une scène nous montre une boîte de nuit "canaille" de Limehouse dans laquelle, en apparence toutes les ethnies présentes dansent ensemble, et Shosho et son amant et patron semblent être en sécurité... jusqu'à ce que le patron de l'établissement intervienne et sépare un coupe: elle, blanche, a osé danser avec un noir: pas de ça dans mon bar! Ainsi le racisme supposé est-il pointé du doigt...

Du reste, Shosho danseuse parce qu'elle la bien voulu, est après tout une femme de son temps, plus opportuniste que fatale qu'un amant fou de jalousie supprimera, et qui restera bien malgré elle à l'écart de cette bonne société qu'elle avait cru conquérir. Et Dupont, qui filme souvent dans le monde du night-club, n'oublie jamais le Londres populaire, qui envahit chaque plan tourné à l'extérieur des boîtes de nuit chic. Et c'est ce Londres populaire, qui va d'ailleurs dominer le grand cinéma Britannique des années à venir, par les Hitchcock, Asquith, et autres, qui semble ici avoir le dernier mot...

Il y a peu à dire sur l'interprétation, qui souffre après tout d'un mal inévitable: comment peut-on rivaliser avec Anna May Wong? Celle-ci, comme en témoigne la suggestive affiche ci-jointe, qui est fort menteuse puisque jamais la belle Chinoise ne se dénude dans le film, reste l'argument de vente numéro un. Et comme prévu, aussi bien la danseuse Gilda Gray, que l'acteur Jameson Thomas ne seront à la hauteur flamboyante de leur co-star... De même le film est-il, surtout en comparaison de Variétés, assez inégal. Dupont a une science bouillonnante de l'usage de la caméra qui semble se déclencher de manière intermittente, au gré de ses envies. C'est souvent virtuose, parfois brillant, mais le film reste, après tout, un mélodrame... dont le sommet visuel, bien entendu, est une scène de meurtre! Mais le metteur en scène multiplie les plans situés "à côté" de l'action comme s'il anticipait sur le parlant, et ça, ce n'est as banal: par exemple, les rapports entre Wilmot, le patron, et Shosho, ont mal commencé. Il l'a virée de la cuisine parce qu'à cause d'elle et d'une assiette sale, un client (Le tout jeune Charles Laughton) a gâché un numéro. Ils se rencontrent en bas d'un escalier en colimaçon, commencent à discuter... La caméra s'éloigne, et on voit alors un veilleur de nuit, un vieux bonhomme qui les voit, s'arrête, les écoute, et tout à coup manifeste un étonnement. La caméra retourne sur eux, désormais, qui montent l'escalier. La conversation aurait-elle pris un tour coquin? Dans ce genre de réactions des dizaines de figurants et acteurs de petits rôles qui sont si nombreux dans le film, réside finalement tout le prix humain de la production. Coûteuse, certes mais qui a rapporté... Pas mal pour un film muet, qui plus est Britannique, en 1929...