Allen John's attic

Chouette, Yves Robert retravaille avec Dabadie! Et il y a Jean Rochefort en maître de cérémonie, cette fois en partenariat avec Miou-Miou! D'ailleurs ces deux derniers sont aux prises avec la réalité du monde, qui est que ce serait un bel endroit s'il n'y avait les casse-bonbons, casse-burettes, suceurs de temps, casse-couilles, bref: les casse-pieds (Jean-Pierre Bacri, Jean Carmet, Hélène Vincent, Guy Bedos, Odette Laure, Jacques Villeret, Philippe Uchan, Patrick Timsit, Jean Yanne, Valérie Lemercier, Victor Lanoux, et je suis sûr que j'en oublie)...

J'aime 

retrouver cet univers de conte à digressions, dans lequel notre appréhension de la situation globale naît d'une accumulation d'anecdotes qui finissent par former une authentique narration, d'ailleurs largement dominée par la belle voix incontournable de jean Rochefort, passé maître dans l'art de faire passer un décalage entre ce qu'il raconte et ce qu'il interprète à l'image par la grâce de la voix off... Et puis parfois le narrateur est contagieux et d'autres prennent le relais. 

mais

Je n'aime pas

le fait que les premières 20 minutes du film semblent tout droit sorties de Les hommes ne pensent qu'à ça, le premier film assez foutraque de Robert, qui nous a habitués à un peu plus de rigueur: on sent qu'il a un casting de rêve à mettre en valeur, quand même! Et ça se fait parfois au détriment du film.

mais

J'aime

comment certains segments partent loin dans la description apocalyptique de la connerie humaine, ou parfois dans une simple observation d'une série de défauts qui accumulés s'avèrent d'une exceptionnelle richesse: trois jeunes hommes rencontrés dans un café, tous avec des tics de langages contagieux, par exemple, resteront longtemps dans la mémoire des linguistes.

mais

Je n'aime pas quand ça vire au prétexte à texte, la grande maladie du cinéma français. Et Guy Bedos a beau revenir sur les fondamentaux de la comédie cinématographique en se livrant à du gag physique, il y a un brin d'irritation devant la déferlante textuelle.

mais

J'aime

Jean Rochefort et Miou-miou, et ils vont très bien ensemble... Et l'actrice n'est en rien invitée à incarner un fantasme masculin, mais un double. D'ailleurs elle a son accès V.I.P. à la bande-son narrative elle aussi, et c'est parce qu'il a découvert son égale, voire une âme supérieure, en matière de débusquage .de la connerie ambiante, que Henry (Rochefort) tombe amoureux...

Et ça vraiment, j'aime beaucoup, donc pour ce petit film qui repose sur un gimmick mais qui donne parfois l'impression de ne faire que d'ajouter 92 minutes à sa bande-annonce, on aura beaucoup pardonner.

A la fois un western, et un film noir... C'est une production indépendante de Milton Sperling pour la Warner, réalisée avec une tripotée de gens sous contrat au studio: Max Steiner, James Wong Howe, et bien sûr Raoul Walsh, qui a cette fois encore usé de toute sa surprenante science du genre (car il n'e a pas réalisé tant que ça!) et poussé le genre vers de nouveaux développements, inattendus et inoubliables...

Un enfant, Jeb Rand, est recueilli dans des circonstances dramatiques par une mère (Judith Anderson) de deux autres enfants, un garçon et une fille. Elle l'élève et si ce n'est une rivalité parfois inquiétante entre les deux garçons, la petite famille va vivre tranquille, à l'écart. Mais on en veut à Jeb, d'ailleurs il va subir une tentative d'assassinat encore adolescent. Pourquoi? Quel est le secret du jeune garçon, enfoui depuis l'enfance, et qui se cache derrière ce souvenir obsessionnel d'une paire d'éperons? Devenu adulte, toujours en conflit larvé avec son frère adoptif Adam, Jeb (Robert Mitchum) va être tenté par l'indépendance, mais il aimerait aussi se marier avec Thor (Teresa Wright), la petite soeur...

Largement plus nocturne que diurne, ce film situé au Nouveau-Mexique évite constamment de se limiter à une narration strictement linéaire, et on y suivra les flash-backs de diverses longueur, que le script de Niven Busch a parfaitement su limiter à l'essentiel et qui s'inscrivent admirablement dans l'ensemble; la photo crépusculaire est magistrale, et la tension installée par la menace permanente qui pèse sur Jeb, ainsi que par les questions fortes (qui est-il? pourquoi veut-on le tuer? qui est sa mère adoptive et quelle est sa part dans son malheur?), nous cloue littéralement au film... Et la division virtuelle d'un homme en deux entités conflictuelles, Jeb et Adam, est passionnante: l'un sera fermier et l'autre un héros. La rancoeur est inévitable...

A l'heure où la psychanalyse s'invitait dans le cinéma mais plutôt sous la bannière du film noir, on n'attendait pas qu'un western réussisse aussi magistralement l'exercice, mais c'est un fait: ici, le traumatisme a le bon goût de ne pas prendre toute la place, tout en ménageant une part non négligeable de travail pour le spectateur qui pourra prolonger les révélations s'il le souhaite car si le film pose des questions, elles amènent certes des réponses... Mais elles amèneront évidemment aussi beaucoup d'autres questions. Et le happy-end très rapide du film ne limitera en rien les spéculations...

Bref: un chef d'oeuvre de Raoul Walsh, certes moins enlevé que ses films de guerre de la même époque, et avec un héros bien différent de ses personnages incarnés par son ami Erroll Flynn, mais quelle réussite! Au fait, au générique, c'est Teresa Wright qui a la première place... Une situation qui n'allait pas tarder à changer pour Robert Mitchum. 

Les Washowski ne sont pas simples: leurs films sont souvent un écheveau complexe reposant au mieux que des structures liées à deux univers au moins, quand ce n'est pas comme dans leur série Sense8 sur huit personnages, mutants sensoriels interconnectés... On connaît Matrix et ses héros qui se déguisent en ninja du futur (gros manteau en cuir et lunettes de grosses mouches) dans le but de passer inaperçu, mais Matrix a été un énorme succès (pourquoi d'ailleurs, ça me dépasse). Pas Cloud Atlas.

D'ailleurs, ce film de 2013, qui a quand même du beau monde au générique, a droit à sa recherche "explication de Cloud Atlas" sur Google. Pas de panique, il y en a pour beaucoup de films, et pas forcément uniquement pour ceux qui sont complexes! De fait, Cloud Atlas est à la fois complexe par sa structure et ses ambitions, et simple comme bonjour. La preuve?

Complexe: six histoires, avec une récurrence des mêmes acteurs dans des rôles systématiquement différents. En bonus, les actrices et acteurs échangent parfois leur identité sexuelle, et les histoires n'ont intrinsèquement pas de lien entre elles, si ce n'est un personnage, par-ci, par-là. Chaque histoire est égrenée sur l'ensemble de 172 minutes, en ordre chronologique, et les liens de transitions sont à la fois arbitraires et thématiques, jouant souvent sur l'effet et les associations d'idées. Ainsi, quand dans une des histoires un personnage est tué, puis glissé dans le four d'un crématorium, la séquence suivante, appartenant à une autre narration, nous montre les restes d'un incendie. Des personnages "répondent" aux questions des protagonistes d'une autre intrigue, et les "points" marqués dans leur progression par les personnages semblent également bénéficier à leurs collègues d'un autre arc narratif...

Ce qui nous rappelle furieusement quelque chose, à nous autres qui étudions de près le cinéma muet, mais n'allons pas trop vite.

Simple comme bonjour: chaque intrigue se situe dans une époque clairement définie (de 1845 au 25e siècle) des personnages ont des problèmes, ils tentent d'y remédier, et ils y parviennent... Plusieurs couples (Doona Bae et Jim Sturgess, Tom Hanks et Halle Berry, Jim Broadbent et Susan Sarandon, Ben Whishaw et James D'Arcy) se maintiennent d'une intrigue à l'autre pour triompher à la fin, et sinon les méchants sont systématiquement Hugh Grant et Hugo Weaving... 

Le film passe d'un genre à l'autre, avec une thématique forte mais simplissime (apprentissage et acquisition de la liberté, triomphe du bien sur le mal, triompher de la lâcheté, découvrir un complot mondial, ne pas être bouffé par des cannibales, etc), et sans jamais se restreindre sur le bizarre ni sur la comédie. Il en résulte une poésie du trop plein, qu'on ne va pas condamner trop vite (et Kubrick? Et Gance? ...Et Griffith, alors?) parce que tant qu'il y aura des artistes pour trouver un budget aussi pharaonique pour faire des films aussi uniquement étranges, qu'importe qu'il y ait des moments de ridicule absolu, après tout ça témoigne encore d'une certaine vivacité du septième art.

Oui, un art.

Johannesburg: en 1982, un vaisseau spatial dont on ne sait pas grand chose s'est retrouvé stationné juste au dessus de la ville, et n'a plus bougé... A l'intérieur, des aliens, souffrant de malnutrition. Après une courte période, les bestioles se sont vus offrir une certaine forme d'hospitalité à la sud-africaine... 20 ans plus tard, les "non-humains" comme on les appelle sont devenus les boucs émissaires d'une société violente, la zone qui les accueille une zone de non-droit, et le gouvernement a décidé de se débarrasser du problème en les envoyant dans un camp à distance des zones urbaines. Un fonctionnaire zélé et un peu crétin, Wikus Van de Merwe (Sharlto Copley) est chargé du problème... Ca ne va pas lui apporter autre chose que des ennuis...

Transposer l'apartheid et les vieux démons de l'Afrique du Sud vers un script de science-fiction, l'idée est bonne, et enveloppée dans une forme très osée: quand le film commence, on croirait un vrai documentaire sensationnaliste de la télévision, donc il faut avoir l'estomac bien accroché, et rester bien concentré... Une bonne part du début du film vient d'ailleurs d'un court métrage de 2005 réalisé dans cet esprit, Alive in Joburg. Le personnage qui va se dégager de tout ça, contre toute attente, est le très minable petit fonctionnaire du gouvernement, auquel les pires avanies vont apporter, disons, une nouvelle vie. 

Le film ne manque pas de qualités, à commencer par l'originalité et une vraie liberté: déguisé en documentaire à trois euros et douze centimes, il ne semble pas viser le grand public, et l'humour subtil qui s'en dégage est assez rafraîchissant. Qu'on se rassure, sous le vernis "différent", il y a un film de science-fiction assez traditionnel, avec des figures qui reviendront d'ailleurs dès le deuxième long métrage de Blomkamp: le mercenaire à grosses coucougnettes qui adore tuer les gens qui sont différents, le tout petit héros qui n'est qu'un rouage de la machine, les dirigeants corrompus, etc... 

Stephanie Cleland (Marion Davies) a été adoptée au début de son adolescence par le riche John Cleland, qui avait aussi un fils du même âge. Devenus adultes, ils passent beaucoup de temps ensemble, mais Jim ne voit pas que "Steve", comme tout le monde l'appelle, est en fait amoureuse de lui. Quand John meurt, il envoie par testament son fils faire des études à l'étranger, et laisse Steve sous la responsabilité de son avocat. Le fils de ce dernier, Oswald, est un sculpteur qui vit dans une opulence bien louche, mais il est surtout amoureux de la jeune femme. Un jour, les circonstances font qu'ils sont obligés de se marier... Une nouvelle qui bouleverse Jim...

Bon, là il convient de rappeler les faits: nous sommes en 1920, et certains états sont encore à l'âge de pierre, c'est à dire très religieux: un homme et une femme dans la même chambre d'hôtel ne sortiront que mariés l'un à l'autre! Et une série d'enchaînements embarrassants font que non seulement ils sont dans la même chambre d'hôtel, mais en plus ils sont nus sous leurs couvertures! Et pourtant, rien n'est arrivé... Fin de la parenthèse crypto-ethnologique.

C'est un film mi-figue mi-raisin de Marion Davies: d'un côté un personnage et un tempo qui poussent vers la comédie, et l'actrice prête toute son impétuosité à cette "Steve" qui chamboule le coeur des hommes malgré elle; de l'autre, un mélodrame au parfum de scandale qui se réfugie parfois dans une fiesta crapuleuse telle qu'un DeMille l'aurait imaginée, pour sortir de l'ornière gênante de la question obsédante: bon elle est adoptée, alors... Inceste, ou pas inceste? Sinon, Hearst a poussé le film, qui aurait pu être un simple et élégant mélo vaguement baroque, vers des excès et un udget qui a certainement explosé en plein vol: voir les décors de certaiens scènes, dont la "party" "à la romaine!

Deux genres qui s'affrontent dans une arène, ce devait être le quotidien entre l'actrice et son mentor Hearst... Ce dernier partisan des mélos, et Davies attirée par la comédie. Comme chacun sait et pour notre plus grand bonheur, c'et Marion qui a gagné, et dans ce film aussi.