Allen John's attic

Le banquier Favraux s'est construit une fortune considérable en exploitant sans scrupules la misère d'autrui... Un jour, alors que tout semble aller au mieux pour lui, que sa fille, jeune veuve et mère d'un enfant, s'apprête à se remarier, il meurt, et un scandale éclate. Le fautif? Judex, un homme mystérieux dont la famille a été autrefois victime des agissements du banquier... Mais Favraux est-il mort? Et qui est réellement Marie Verdier, la jeune gouvernante dont Favraux s'est entichée et qui une fois le banquier mort va chercher fortune ailleurs?

Côté pile, le film commence comme du pur Feuillade, qui installe avec un talent fou une intrigue qui pose une masse de questions, des personnages en liberté, des maniaques et des gens bien, des bandits et des justiciers… Le prologue est exemplaire et les premiers épisodes donnent une envie folle de savoir la suite! Judex (René Cresté) est un personnage fascinant parce qu’à la demande de Gaumont c’est un justicier, un vrai, et contrairement aux Vampires sa quête est motivée par des raisons hautement morales… Et pour le cas où on s’ennuierait d’Irma Vep et de ses collants noirs, Feuilade a engagé sa muse préférée pour le rôle riche de Marie Verdier / Diana Monti… On s’en doute, cette dernière s’avérera un authentique génie du mal…

Côté face, Judex fait suite, dans l'oeuvre de Feuillade, aux Vampires, à son impressionnant succès... et aux polémiques nées de ce que certains censeurs considéraient comme la nature scandaleuse de son cinéma: qui pouvait douter un seul instant que dans le serial en dix épisodes qui avait tenu en haleine les spectateurs Français durant 9 mois, les héros étaient en fait la dangereuse mais fascinante mafia de voleurs, d'assassins et d'escrocs des "Vampires", rassemblés autour d'Irma Vep (Musidora)? Le film, d'épisode en épisode, marquait de façon spectaculaire son époque, et bien que se déroulant à l'arrière, soulignait par le recours à des armes de plus en plus sophistiquées (Lance-flammes, canons, gaz et masques) l'existence quotidienne, ressentie par toute la population, de la guerre qui se jouait dans le nord du pays... Et du coup, la violence et la mort y étaient partout.

Judex est donc né de cette nécessité d'une revanche pour la Gaumont et les bien-pensants, qui souhaitaient que les lucratives idées de Feuillade s'expriment dans un sens qui puisse aller conformément avec le bien public tel que les autorités morales le concevaient... On sent bien que l’auteur a été pris entre deux feux avec ce nouveau film, passant d’une vengeance terrible, celle de Judex, à un appauvrissement de plus en plus évident au fur et à mesure de l’évolution de son amour pour la belle Jacqueline (Yvette Andreyor), la fille de son ennemi.

Et c'est bien ce qui me chiffonne dans Judex, un feuilleton qui part tambour battant, et qui installe vite l'idée que derrière le drame bourgeois qui est à la base, il y a une force, mystérieuse et secrète, représentée par l'énigmatique Judex, un justicier masqué qui s'arroge de le droit de vengeance en utilisant une machinerie compliquée, qui a le pouvoir de tuer s'il le souhaite et veille au grain, aussi menaçant que l'auraient été les Vampires... avant de se rétracter par amour, et d'abandonner une à une toutes ses ficelles, quasiment émasculé. Alors bien sûr, le film accumule les péripéties, et Feuillade comme à son habitude dose de façon convaincante les coups de théâtre préparés, et l'improvisation, mais le coeur n'y est pas autant qu’on l’aurait souhaité. René Cresté, en justicier énigmatique, est parfois terne lorsque le doute qui le ronge l’empêche d’agir, les relations avec l'entourage sont convenues, et on réclame toujours plus de Diana Monti, l'aventurière jouée par Musidora, qui par sa vilénie rappelle les exactions basses, viles et immorales, des Vampires. Et au milieu de tout ça, à travers le personnage de Cocantin (Marcel Levesque) et de sa bonne amie Daisy Torp (Lili Deligny) si prompte à se déshabiller pour plonger en maillot noir (un épisode lui est dédié vers la fin, L’ondine) on voit bien que Feuillade était gêné aux entournures par ces préoccupations de censeurs.

Deux jeunes garçons, les deux enfants d’une famille qui vient de s’installer dans la banlieue de Tokyo, affrontent leur quartier, devant s’affirmer devant une bande de petits voyous qui les menacent de représailles s’ils osent se rendre à l’école… Il va leur être dur de s’imposer. Mais pendant ce temps, nous suivons les efforts du père (Tatsuo Saito) pour s’imposer également, lui qui a le but de devenir le bras droit de son patron, et ne recule devant aucune opportunité pour attendre ce but…

C’est l’un des plus connus sinon LE plus connu, des films muets d’Ozu : une épure aussi, un de ces films que le réalisateur refera dans les années 50, car le mélange de chronique du quotidien et de poignante critique sociale fait mouche sans aucun effort apparent, se reposant pour commencer sur deux personnages formidables : parfaitement dirigés, totalement complémentaires (leurs gestes sont aussi naturels que simultanés), les deux garçons fournissent un fil rouge totalement séduisant, avec leurs histoires de bagarres, de défis à la noix (gober un œuf de moineau en classe) et les anecdotes autour de leur intégration, de plus en plus inéluctable.

Le titre français ne traduit pas vraiment l'original, qui correspond à toute une série de films du metteur en scène qui se terminent en "mais" avec des points de suspension. Je suis né, mais... est autrement plus amer que le fonctionnel mais générique Gosses de Tokyo, et laisse entendre que la vie ne sera pas facile...

Tatsuo Saito, souvent clown en chef dans les films d’Ozu, a un rôle intéressant ici, en père plus préoccupé par son propre avancement que par les frasques de ses deux galopins, mais il est à la source d’une scène formidable : les deux garçons sont invités par le fils du patron, qui a lui-même invité ses employés à regarder les films amateurs qu’il a tournés. Sur l’écran, les deux garçons qui ont une image sanctifiée et assez autoritaire de leur père le découvrent tout à coup en boute-en-train avide de devenir le préféré de son supérieur, et commencent à douter de leur envie de « réussir à l’école pour devenir quelqu’un d’important », comme on le leur serine en permanence…

Avec ses deux anti-héros de la débrouille, qui affrontent l’enfer de l’enfance avec élégance et la main près des fesses (qu’ils se grattent en permanence !), cette comédie douce-amère est un joyau.

Allemagne, années 70: Léopold (Bernard Giraudeau) a ramené dans son bel appartement le jeune Franz, 20 ans (Malik Zidi), qui se demande bien pourquoi au lieu de se rendre à son rendez-vous avec sa petite amie, il a suivi le vieux beau... Celui-ci fait rapidement évoluer la conversation vers l'inévitable et six mois plus tard, Franz est toujours là, mais le couple n'est pas heureux, sauf au lit... Franz, qui n'a plus qu'une obsession, soit quitter l'emprise dévastatrice que son amant a sur lui, contacte Anna (Ludivine Sagnier) pour l'aider, pendant que Véra (Anna Thompson), l'ancien(ne) compagnon/gne de Léopold, débarque après plusieurs années d'absence...

C'est l'adaptation d'une pièce de rainer Werner Fassbinder, et Ozon s'est manifestement beaucoup amusé à grimer ses acteurs et à décorer un appartement dans le style de l'époque voulue... c'est donc volontairement assez moche, et chaque acte respecte l'unité de lieu et de temps. Pourtant Ozon, qui aime à provoquer, choisit des angles de prise de vue, au plus près des acteurs, qui lui permettent d'aérer le tout: l'un de ces exemples est le plan de Giraudeau, assis, qui tout à coup se lève sans que la caméra ne le suive. Résultat, le plan devient un gros plan du pantalon au niveau des parties génitales... 

Fassbinder, un couple gay insatisfait, c'est bien sûr un film militant. Mais que c'est glauque! Giraudeau est excellent, bien sûr, en sale type qui gère son emprise sur les autres en étant absolument odieux, mais on finit par souffrir de sa méchanceté. Le reste du casting (uniquement 4 acteurs) est moyen, avec une mention spéciale toutefois pour Ludivine Sagnier, qui n'est pourtant gâtée ni par le script ni par la coiffure! 

Pour résumer, Ozon nous dit que c'est une comédie, donc on eut bien le croire, mais il faudra un jour expliquer aux auteurs français qu'un gag et une scène excentrique par film n'en font pas nécessairement une comédie... C'est agaçant.

C'est l'été, et c'est le dernier jour de lycée dans le Bronx: les lycéens prennent donc le bus pour rentrer chez eux, et... il s'en passe, des choses, dans le bus!

C'est un film effectivement tourné dans un vrai bus, dans le vrai New York, avec des vrais lycéens, qui ont participé à l'établissement d'un scénario basé sur l'idée initiale de Gondry: utiliser l'unit de temps et de lieu pour révéler les caractères, selon la règle suivante: dans un bus, les hordes de jeunes ne se comporteront absolument pas de la même manière selon le fait qu'ils seront plusieurs, ou isolés... Et en vidant peu à peu son bus de ses occupants, certains par réaction contre les autres, certains littéralement exclus, d'autres tout simplement rendus chez eux, le cinéaste permet à l'humanité de surnager de plus en plus au milieu d'un ensemble d'anecdotes, de comportements, de gags et de digressions. Certains plans sont tournés depuis l'extérieur du bus, mais l'essentiel des décrochages sont soit des délires (un gamin qui tente de séduire en se présentant comme u génie de la jet-set, une digression qui fait intervenir un faux Donald Trump), soit des souvenirs recréés à la Gondry bricolo (carton-pâte, accélération, accessoires détournés), voire des mensonges élaborés...

Le film est divisé en trois parties: The Bullies, qui est ancré sur la présence de trois petits cons, particulièrement portés sur l'humiliation agressive de leurs congénères; l'un d'entre eux a des problèmes sentimentaux et les dissimule derrière une attitude de provocateur sans scrupules. The Chaos, qui part d'une partie d'action ou vérité qui dégénère pour montrer l'ensemble du bus partir en vrille, une sorte de conversation à 60... Enfin, The I recentre sur quelques individualités. Et comme on est chez Gondry, de ce chaos parfaitement contrôlé et parfaitement rendu, naîtra non seulement de la confusion, mais aussi et surtout une certaine intimité entre deux personnages soudain confrontés à la vérité d'un drame, ce qui en fait une phénoménale rupture de ton, après le déferlement de situation scabreuses, d'agressions, de gros mots, une agression raciste commise par une septuagénaire, des anecdotes sexuelles auto-glorifiées, etc... 

Mis en scène par un éternel réalisateur de douze ans, avec des techniciens et des acteurs débutants (tous affiliés à une association d'entr'aide du Bronx qui leur permet de s'initier au théâtre) mais saisissants de vérité, ce film est à raccrocher au cinéma de Vigo: mal poli, poétique, vrai et turbulent, mais surtout magnifique.

En dépit des noms de son réalisateur et de son principal interprète, ce petit film est Allemand... Les deux artistes, en effet, ont fui l'Italie après le putsch de Mussolini. Ils ont rapidement trouvé des commanditaires pour de petits films d'aventures, dont celui-ci, tourné pour une large part en Saxe, pas très loin de Dresde, sur la vallée de l'Elbe. 

Dans un site très touristique, un mystérieux jeune homme local sauve quatre personnes, dont un père et sa fille, lors d'une excursion en montagne qui manque de mal tourner. Le hasard fait curieusement les choses: le jeune homme est en effet le fils d'un ancien condamné à mort guillotiné depuis, et l'homme qu'il a sauvé est celui qui l'a dénoncé... Mais pour compliquer les choses, d'une part la maîtresse de l'affreux va tomber amoureuse de leur sauveur, mais celui-ci va manifester de l'intérêt pour la jeune fille de son ennemi... Ouf!

C'est un tout petit film, mais bondissant, comme son héros incarné par Luciano Albertini. Celui-ci ne rate pas une occasion de sauter d'un sommet à l'autre, et n'a pas été doublé, ce qu'il faut toujours prendre avec précaution. Reste que si les angles choisis par les caméramen sont sans doute pour beaucoup dans l'illusion, c'est du même coup un film d'aventures distrayant, plus convaincant à mes yeux que les gros drames de droite du bon docteur Arnold Fanck avec Leni Riefenstahl... Comme si les habitudes prises par les deux Italiens dans les studios Romains avaient empêché de mélodrame à tiroirs de devenir par trop pesant. 

Une dernière recommandation toutefois: il me semble qu'il conviendrait de voir ce film en été... Rendez-vous donc en juillet! En attendant le film est visible pour un temps sur le site d'Arte.