Allen John's attic

Dans les années 1860, la famille March, du nom du pasteur qui est le chef de famille comme on disait alors, la mère (Laura Dern) et les quatre filles doivent faire face à l'absence du père, aumonier militaire retenu sur le front de la Guerre Civile... Les quatre filles sont toutes bien différentes: la plus âgée, Meg (Emma Watson), ne jure que par un destin de femme mariée, selon son rang bien évidemment; Josephine, dite Jo (Saoirse Ronan), se destine à une carrière d'autrice; elle écrit et met en scène des spectacles qui mettent en valeur toutes ses soeurs, pour le bénéfice de sa famille et de leurs amis elle dit à qui veut l'entendre qu'elle ne se mariera jamais; Amy (Florence Pugh) hésite ntre l'influence de Meg, et la tentation du mariage, et l'influence de Jo (avec laquelle elle se chamaille constamment), elle a un intérêt pour la peinture; enfin, Beth (Eliza Scanlen), la plus fragile, est pianiste, de tempérament constant, et hélas bien malade. Au point qu'il faut souvent s'inquiéter pour elle... Deux jeunes hommes vont graviter autour de la famille et en particulier autour de Jo et Amy: un voisin, Theodore "Laurie" Laawrence (Timothée Chalamet), qui est attiré par Jo mais fait beaucoup d'effet sur sa jeune soeur, et plus tard dans le récit, Friedrich (Louis Garrel), un précepteur Européen que Jo rencontrera à New York...

"Plus tard dans le récit"... J'admets, j'ai triché: on rencontrera Friendrich avant les trois soeurs de Jo, car le récit est ancré en 1868, alors que Jo est devenue enseignante et qu'elle cherche à placer des nouvelles et un roman. Le film est raconté en flash-backs et flash-forwards, ce qui est peut-être une concession à la modernité (car il faut bien dire qu'en matière de nouveauté, cette histoire a du plomb dans l'aile!), mais permet surtout à Greta Gerwig, totalement et seule responsable de l'adaptation du roman de Louisa May Alcott, de mettre en valeur ce qu'elle y a perçu: une fratrie (vous avez remarqué? c'est ce mot qui est utilisé, que les enfants d'un ménage soient mixtes, tous mâles ou tous femelles, ou quelle que soit leur identité) de quatre jeunes femmes qui toutes vont illustrer les choix envisageables d'une femme ou d'une future femme du XIXe siècle... Y compris le décès pour l'une d'entre elles. La chronologie est bouleversée, afin de brouiller les pistes et de laisser à chaque destin un angle pour s'accomplir, sans pour autant avoir le même suspense morbide que le roman et ses adaptations (combien de lecteurs et lectrices, de spectateurs des 6 autres films, ont-ils été traumatisés par le décès de Beth?

En procédant de cette façon et en encadrant le récit de deux scènes qui sont un écho de la réalité (Louisa May Alcott a clairement basé son roman sur l'histoire de sa famille), lorsque Jo tente de placer sa première nouvelle et en voit acceptée la publication, et la fin qui voit le roman publié et Jo débattre du destin de son héroïne principale (c'est à dire d'elle-même), l'accent est mis précisément sur le livre lui-même. Celui-ci, entre le destin contrarié de la petite Beth, le mariage de Meg, qui ne sera ni riche ni de tout repos, et les amours contrariées d'Amy, représente le plus grand succès des "little women" de la famille March... Et l'ensemble des péripéties, entre les provocations de Jo, son désir de secouer ses soeurs (qui toutes l'adorent) et les tentations sentimentales, glisse un message tendrement féministe. ...A sa façon, bien sûr.

Le film se glisse donc plutôt bien dans la carrière atypique de cette réalisatrice (et actrice) qui, après avoir participé en scénariste, actrice et réalisatrice à des projets "indépendants" et souvent fauchés, voire expérimentaux, a obtenu un succès non négligeable et mérité avec Ladybird, oùelle dirigeait pour la première fois timothée Chalamet et Saoirse Ronan, pour un de ses derniers rôles d'adolescente. Un film personnel, une comédie aussi, mais qui recélait des aspects de plus grande gravité... Mais elle l'a voulue, son adaptation de ce classique, puisqu'elle avait commencé à y travailler dès avant Ladybird... Un parcours de femme et d'autrice dont la dernière étape est actuellement Barbie.

Une scène fait écho aussi à la principale différence entre Jo et Louisa May Alcott elle-même... L'éditeur se demande "pourquoi Jo ne se marie-t-elle pas?", ce à quoi la vraie Jo répond qu'elle ne l'a jamais souhaité et le dit constamment... Mais l'éditeur insiste... Une façon comme une autre pour Gerwig de replacer l'autrice du livre devant des "choix" qui lui auront sans doute été imposés avec insistance, lors de la publicationn de son roman, en 1868... Preuve aussi que décidément, pour l'égalité, il y avait du travail.

N'empêche, Louisa May Alcott a tenu bon: pas pour son personnage, qui a du se marier. Non, elle en revanche, a toujours fait l'impasse... Le film pour sa part se glisse donc plutôt bien dans la carrière atypique de cette réalisatrice (et actrice) qui, après avoir participé en scénariste, actrice et réalisatrice à des projets "indépendants" et souvent fauchés, voire expérimentaux, a obtenu un succès non négligeable et mérité avec Ladybird, oùelle dirigeait pour la première fois timothée Chalamet et Saoirse Ronan, pour un de ses derniers rôles d'adolescente. Un film personnel, une comédie aussi, mais qui recélait des aspects de plus grande gravité... Mais elle l'a voulue, son adaptation de ce classique, puisqu'elle avait commencé à y travailler dès avant Ladybird... Un parcours de femme et d'autrice dont la dernière étape est actuellement Barbie.

Charley Chase travaille dans l'immobilier, il a une bien à vendre et a trouver trois représentants d'un industriel qui sont intéressés, et particulièrement intéressés aussi par l'idée de sceller le contrat dans une joyeuse fiesta... Au moment où le film commence, notre héros a engagé trois jeunes femmes (Anita Garvin, Thelma Todd et Dolores Brickman). On est en droit de penser que les intentions sont ici quelque peu coquines... C'est justement ce que pense le propriétaire de l'hôtel. C'est sûrement ce qu'on pensé les actionnaires du groupe dont font parties les trois invités, qui ont été remplacés par trois hommes qui n'ont rien de frivoles. Charley doit donc gérer son changement de programme, maintenir l'atmosphère légère, atténuer la vulgarité de ses invitées et garder en tête qu'il lui faudra aussi persuader les trois hommes tatillons de signer un contrat...

C'est un sujet pour film Roach, en effet, et le metteur en scène n'est plus Warren H. Doane, qui n'a pas vraiment montré un génie particulier... Horne est plus établi, plus qualifié disons, mais le film reste bancal... Les bonnes idées tendent à faire long feu et (c'est généralement un défaut rédhibitoire) le film repose beaucoup sur le dialogue. 

On appréciera pourtant les sorties et l'extraordinaire plastique expressive (je parle du visage, bande de fripons!!) d'Anita Garvin, qui joue ur un registre inattendu pour elle, puisqu'ici elle n'a rien d'une grande dame. Si ce n'est par la taille... Et un gag final qui nous rappelle la façon dont Charley Chase pouvait s'immiscer de façon importante dans les films dont officiellement il était l'acteur et juste l'acteur: une espèce de ronde avec jet d'eau, dans un ballet loufoque... Mais au vu de ses possibilités, le film reste décevant...

Alors qu'il roule à tombeau ouvert dans des montagnes reculées, pour échapper à un policier à moto (Edgar Kennedy), Charley Chase aperçoit une merveilleuse créature (Thelma Todd) à la mode montagnarde. En compagnie du flic, qui semble avoir oublié de l'arrêter, il va rester sur place pour la séduire, quitte à se faire passer pour un montagnard local...

C'est complètement, éperdument, absolument, résolument, idiot. Ne nous méprenons pas: ce n'est en aucun cas une critique, juste un constat réjoui... Charley Chase a toujours, ou en tout cas depuis 1923 et ses débuts en tant que vedette de films de courts métrages chez Hal Roach, été le monsieur de la grande ville, sain et les pieds sur terre, que les circonstances plongeaient en toute logique dans une situation insondablement crétine. Et ici, on est servi, on a donc ce qu'on cherchait...

Donc, il y aura déguisement, et rapprochement, sans jamais négliger de cocher les cases inévitables de ce genre d'histoire, située dans les bois montagneux des Appalaches ou de quelque endroit du genre, avec des gens ô combien rustiques. Il y aura un putois, des habits de trappeur et des danses folkloriques... La plus grande part des gags du film sera basée sur l'image et non le son, et même si la deuxième partie sera largement dominée (parlant oblige!) par les danses et la musique, l'élément visuel n'est jamais oublié. 

Et en prime, on constatera émerveillé que Chase est doué pour le banjo, l'ocarina, la guimbarde, le violon et le chant. et que Kennedy, en toutes circonstances, reste le merveilleux grognon si à l'aise dès que son rôle lui permet de distribuer des contraventions, mais totalement perdu quand on lui enlève son uniforme.

D'ailleurs, quand je dis que c'est idiot, je peux avancer un argument de poids: rien en effet ne peut justifier la décision de Kennedy de rester avec Chase, à moins que ce ne soit pour le marquer à la culotte et de rester en sa compagnie pour mieux pouvoir l'arrêter! Ce qui e contexte moins loufoque aurait été un trou béant du script se retrouve à ajouter à l'atmosphère de gentille folie douce... Une folie douce dans laquelle on se moque quand même gentiment mais fermement d'un groupe humain, le genre montagnard, pointilleux de la gâchette, le genre à tirer sur les forces de l'ordre quand on les rencontre, prêts à envahir le Capitole à la moindre occasion!

Quant à justifier qu'on soit en territoire pré-code, on notera la propension de Chase à perdre son pantalon, et sinon, Thelma Todd, qui a juste besoin d'apparaître (y compris en robe 1890) pour faire monter la température...

Cette nouvelle «adulte» de Roald Dahl a été adaptée dans les années 50 pour la série Alfred Hitchcock présente, et mise en scène par le maître lui-même... Ce qui fait de ce film de 17 minutes un remake. Pourtant on est très loin de l'adaptation d'Hitchcock, et de son traitement du suspense.

Pour commencer, contrairement au film d'Hitchcock, on ne verra jamais le serpent... Je m'explique: dans Poison, un homme (Dev Patel) arrive chez un ami (Benedict Cumberbatch), pour constater que celui-ci est couché, et immobile: il annonce qu'alors qu'il lisait un serpent s'est installé sur lui et que s'il bouge il pourrait mourir à cause du venin foudroyant. Un médecin (Ben Kingsley) est appelé à l'aide.

Le film, comme la nouvelle, est situé en Inde, et le médecin est d'origine Indienne. Le film ne se termine pas (tout comme la nouvelle d'ailleurs) comme celui d'Hitchcock, dans lequel l'homme couché subissait une authentique torture morale de la part de son copain, avant que celui-ci ne l'aide vraiment. Le coup de théâtre, ici, viendra de la réaction de Pope (Cumbrbatch) quand il sera «sauvé»...

Le film est accompagné d'une narration «diégétique» fournie par Dev Patel les yeux droit dans la caméra, comme les autres courts métrages de Wes Anderson adaptés de Dahl et diffusés actuellement sur Netflix. Esthétiquement,c'est du pur Anderson, géométrique, bien rangé, aux couleurs pastel (encore plus atténuées par l'usage du 16 mm)...

Maintenant, je ne peux m'empêcher de tiquer en voyant une nouvelle de Roald Dahl pointer du doigt l'intolérance raciale, en dénonçant un acte de racisme colonialiste, alors que l'écrivain (dont le style reste une merveille de concision et de précision) était aussi un salaud antisémite de la pire espèce, comme il l'avait ouvertement revendiqué dans une interview au journal The new stateman en 1983.

...Mais ça n'a, bien sûr, rien à voir avec ce film, ni avec Ben Kingsley, ni avec Wes Anderson...

Reprenant exactement les même principes narratifs que les trois autres films de courts et moyens métrages présentés au même moment sur Netflix, ce film est à nouveau une adaptation de Roald Dahl, cette fois d'une nouvelle tardive.

Rupert Friend, en narrateur omniscient, se tient à l'écran, et nous raconte commeny un jeune garçon, Peter Watson (qui est présent à l'écran) a subi de la part de deux autres garçons plus âgés un traumatisme grave. Il avoue d'ailleurs êtr cet enfant, mais plus vieux...

La torture imposée à l'enfant impliquait de se retrouver ligoté entre les rails d'un train, puis de monter sur un arbre avec les ailes d'un cygne, froidement exécuté sous ses yeux par les deux sales gosses...

Le film, en ne livrant jamais d'images qui puissent être traumatisantes, raconte froidement, avec la distanciation d'un narrateur qui semble raconter sans jamais s'impliquer, même s'il s'agit de lui-même, les horreurs subies, physiquement et symboliquement, par le jeune garçon. Le fait de ne pas les montrer, mais de les commenter, pendant qu'occasionnellement des accessoiristes viennent fournir les personnages en objets ou maquillage, permet d'évoquer ce qu'on ne peut pas montrer. C'est impressionnant de voir Wes Anderson mettre son art particulier (ô combien), au service de cette histoire particulièrement violente...