Allen John's attic

Après Les Tontons flingueurs, George Lautner était prudent. Impossible de juger avant la sortie du film de l'effet de cette parodie de film de gangsters sur le public, d'où l'idée de réaliser une comédie loufoque plus traditionnelle, plus noire aussi, avec des acteurs chevronnés plus estampillés "comiques": Francis Blanche, Michel Serrault, Louis de Funès viennent donc s'ajouter avec bonheur à l'univers Lautner-Audiard, et on a en prime l'irremplaçable Maurice Biraud, l'homme qui a sans doute le privilège, avec Blier, de dire au mieux les répliques ciselées d'Audiard.

L'histoire tourne autour de Jack et Jérome, deux cousins. le premier est une petite frappe, qui tue un homme qui veut sa peau, le deuxième est un musicien, propriétaire d'une contrebasse dont l'étui va servir à contenir le cadavre de Pomme-chips, le malfrat éliminé par Jack. L'équipée va virer au burlesque, avec moult échange de bourre-pifs et de bons mots bien sentis... et la recherche d'un sésame vers le paradis: un billet de tiercé gagnant de plusieurs millions, qui a le malheur de se trouver dans la veste d'un mort.

C'est loufoque, moins bien tenu que Les Tontons flingueurs, mais ce film à l'ancienne est toujours plaisant. Louis de Funès a beau ne pas être à l'écran en permanence, il assure une large part du spectacle à lui tout seul, en improvisant une grand proportion de son dialogue dans un yaourt délirant... Et puis il y a Mireille Darc, et les aphorismes de Biraud-Audiard... le personnage de Serrault est formidable, en homme parfaitement décalé en toutes circonstances: il jure sérieusement au milieu des truands avec ses discussions sur la pédagogie musicale, et il ne trouve pas sa place dans la haute société. C'est le cave ultime, celui qui finira d'ailleurs par prendre sa revanche (car c'est bien connu: le cave se rebiffe...) sur toute la société: ceux qui travaillent... et ceux qui travaillent en prison à confectionner des espadrilles.

Le premier film du cycle "Fantastique, farces et attrapes" de Shyamalan, et peut-être son unique film reconnu par le public est un étrange objet. Tout se passe comme si le réalisateur fuyait le rythme, s'interdisait la pulsion, et se refusait à la moindre vitesse, dans ce qui reste un attrape-nigaud de grande classe: Cole Sears, tout petit bonhomme, cache un secret lourd à porter tout seul, il communique avec les morts. Ce don l'apparente non seulement à une sorte de médium, mais fait de lui aussi le souffre-douleur parfait d'une Amérique qui n'aime que ceux qui sont conformes à ce qu'elle désire. Il est donc rejeté, et à du mal à assumer une différence qu'il ne peut en aucun cas revendiquer ni maîtriser. C'est là qu'intervient un psychologue, auquel la vie a réservé un coup dur: blessé au bas-ventre, tombé un beau jour victime d'un gamin comme Cole justement, mais qu'il n'avait pas su aider, il est désormais obsédé par la seconde chance: intervenir sur un autre cas similaire, mais réussir à aider l'enfant cette fois. d'autant que Malcolm, le psy interprété par Bruce Willis, a des loisirs: sa femme ne communique plus avec lui et semble chercher une nouvelle vie dans son travail et avec un beau jeune homme...

Shyamalan, en fait, est un menteur. il aime à raconter des histoires, et son péché mignon, c'est de faire tomber le spectateur dans un piège. Il fait ça très bien dans ce film (Vous pouvez oublier tous les autres), et convoque habilement les ressources du cinéma fantastique, en particulier l'ellipse, pour enchâsser le visionneur consentant dans son dispositif et ne pas le lâcher. Je dois dire qu'en prime, la réflexion sur la différence de la part d'un cinéaste qui réalisait des courts métrages à 6 ans, à de l'intérêt. D'une certaine façon, The sixth sense est aussi un film sur l'autisme. Ce n'est pas si répandu...

On peut sans aucun risque de se tromper et sans commettre la moindre injustice taxer Finding Neverland de classicisme et d’académisme. Voilà qui est fait, attachons-nous maintenant à parler du film à présent qu’il a été dit qu’il n’était ni novateur ni révolutionnaire. A la vérité, quelle importance : il atteint le but qu’il s’est fixé: parler de l’imaginaire comme d’un processus de création indispensable à l’enfance… et à la vie d’un adulte. Et par là même parler aussi de l’importance de laisser le processus de création intégrer l’imaginaire. Et pour ce faire, Forster a choisi de se consacrer à la création de la fameuse pièce Peter Pan, de James Barrie, un chef d’œuvre s’il en est.

Barrie, c’est Johnny Depp. En Ecossais lunaire qui sent son métier de dramaturge le quitter alors qu’une pièce vient de se prendre un monumental bide, il est parfait, jusqu’à l’accent Ecossais absolument maîtrisé. Mal marié, il se voit reprocher par son épouse (Très matérielle) de ne pas l’avoir laissée entrer dans son univers. Il rencontre par hasard une famille ; Sylvia, une jeune veuve malade (La tuberculose ou quelque chose du même genre, en tout cas une maladie qui la ronge de l’intérieur), Interprétée par Kate Winslet, et ses quatre garçons, dont le jeune Peter, très affecté par la mort de son père, et qui reproche aux adultes de lui mentir en permanence. C’est pourtant à une variation du mensonge que va se consacrer Barrie, en apprenant aux enfants à vivre leurs jeux intensément. Il en résultera bien sur un grand succès théâtral… Et beaucoup de moments d’émotion pour les spectateurs. Ceux du film comme ceux qui ont vu tous les Peter Pan possibles.

Le film évolue dans trois mondes qui s’interpénètrent de belle façon ; le monde de la réalité, dans lequel Barrie-Depp vit sans vraiment sans rendre compte, mais qui est incarné par le monde de la belle société Londonienne, mais aussi Mrs Du Maurier, la mère de Sylvia, et Mrs Barrie. Le monde de l’imagination, des jeux des enfants et de Barrie est mis en image de façon très colorée avec une palette de tons saturés et primaires, souvent rehaussés de décors sublimement début XXe, c’est chatoyant ; les limites abolies de l’espace cinématographiques sont franchies bien des fois, sur un bateau pirate en peine tempête, en plein désert de l’ouest Américain, ou vont se dérouler les jeux toujours plus délirants orchestrés par Barrie. Enfin, le monde du théâtre, évoqué principalement vers la fin, et pour lequel Forster s’est plu à montrer le spectacle rigoureusement tel qu’il était sur scène, sans en rajouter de façon délirante. Seule une représentation privée, vers la fin du film, voit les spectateurs de la pièce abolir les murs de leur maison pour se retrouver à Neverland. C’est un point culminant !

Le message du film, car oui il y en a un, c’est bien sur de laisser l’imagination prendre le pouvoir. C’est ce qu’a fait Barrie nous dit-on en substance, en créant le spectacle le plus populaire de tous les temps ; c’est aussi ce qui nous permet de vivre, de respirer, et d’être plus armé pour combattre les vicissitudes de la vie. Alors une fois de plus, un message comme celui-ci n’a rien d’extraordinaire, c’est parfaitement exact ; cela n’empêche pas d’y croire, après tout ; on peut aussi l’appliquer, et en tout cas voir ce film. Si on n’aime pas ça, on peut toujours mettre un navet cosmique après, ce n’est pas ça qui manque. Ce sera toujours de l’imaginaire, donc…

Le road-movie, c'est un cliché tellement vivace qu'on s'imagine ne plus pouvoir en supporter. A plus forte raison lorsqu'on touche à ce qu'on appelle le "cinéma indépendant" américain, qui sacrifie particulièrement à cette mode. Et pourtant.... ca fait des films qui sont souvent très attachants, promenant leur petit monde de route en route, et à supposer que les personnages en valent la peine, on y prend souvent du plaisir: cette équipée d'une famille mal fichue (Père à l'ouest, Grand-père cocaïnomane et obsédé sexuel, fils en crise de silence, et mère un peu dépassée par les événements, flanquée de son frère, homosexuel suicidaire), qui va accompagner la petite dernière (Olive), à un concours de beauté pour fille de 7 à 8 ans en Californie, est irrésistible; on rit, on a d'autres émotions, et en plus on a une attaque au vitriol contre les concours de beauté et autres formes de normalisation excessive des Etats-Unis: le traitement infligé à ce type de manifestation est franchement punk, vengeance d'outre-tombe d'un grand-père mort trop tôt, au champ d'honneur. Petite sucrerie indispensable, donc.

Le film préféré de James Stewart!

Il y incarne Elwood P. Dowd, un homme d'une cinquantaine d'années qui fait le cauchemar de sa soeur et de sa nièces, qui vivent avec lui. Non qu'il soit odieux, méchant, stupide ou tout simplement infréquentable; c'est au contraire un homme doux, attentif, un peu lent aussi. A croire que ce qui gêne ces dames, c'est Harvey, le lapin imaginaire de deux mètres qui va partout ou Elwood se rend, et qu'il présente à tout le monde...

Bref, un film sur la différence, sur le fait aussi de savoir s'arrêter et regarder le monde passer avec calme en sirotant un petit truc bien frais, sans oublier d'écouter les autres, et de les aider. Rain Man, de Barry Levinson, est bien pâle à coté de ce film tendre.