Allen John's attic

C'est un film qui date des débuts de Tex Avery, quand il venait d'être bombardé "superviseur", soit réalisateur dans la série des plus prestigieux courts métrages de dessin animé du studio dirigé par Leon Schlesinger: sa tâche était claire, il se devait de proposer une réponse adéquate au formidable succs et à l'excellence technique diabolique des Silly Symphonies de Disney... Les Merrie melodies était désormais en couleurs, et Warner avait enfin accès au Technicolor 3 bandes, qu'ils aletrnaient avec du Cinecolor (un procédé étrange, avec seulement deux nuances). Ce film a bénéficié de cet apport...

Un jeune épouvantail prend des leçons de son papa, mais il est trop petit: quand il est confronté à un corbeau, non seulement il ne le fait pas fuir, mais l'oiseau finit par lui faire peur...

C'est une histoire contée de açon directe et sans digressions, par Avery qui se permet juste quelques excentricités (un arbre dans lequel on a installé un ascenseur) et par ailleurs effectue son boulot de façon fluide, sans jamais sortir du cadre! Comme quoi c'était possible. Il n'allait pas tarder à se sentir aussi libre de dérapr qu'il l'était déjà pour les Looney tunes en noir et blanc...

Une poule laisse son poussin sous la garde de Foghorn Leghorn, qui s'évertue à trouver des moyens de l'occuper. Mais la bestiole est un intellectuel, qui domine rapidement le coq dans le jeu...

Tout simple, à peine gâché par la logorrhée du héros, c'est un film dont la dynamique repose sur le proverbial contraste, cette fois entre un animal adulte et sentencieux qui par définition pense qu'il sait tout, et un jeune animal qui devrait tout avoir à apprendre mais sait tout et effectue brillamment tout ce qu'il entreprend. Et ça marche!

Qui se souvient des intrigues de James Bond? Elles n'ont pas grand intérêt, par définition, devenant surtout un préexte pour le cirque Broccoli! Non, ce qui distingue les films les uns des autres, ce sont les morceaux choisis, telle poursuite, telle scène d'action, telle réplique, telle décision: le remplacement de l'acteur principal et la mise en scène font de On her majesty's secret service le meilleur à bien des égards, la violence étonnante et un rien subversive de Casino Royale le fait se détacher sérieusement des autres, et l'abandon des gadgets donne un cachet à For your eyes only...

Ici, on peut penser à quatre choses qui distinguent ce film de autres de façon évidente: d'une part, l'arrivée de Roger Moore. Puis, le parfum "Blaxploitation", vulgaire voire un peu raciste sur les bords (ici, ce sont les blancs contre la mafia noire), même si l'organisation d'un milieu à Harlem, dominé par un gangster Afro-Américain, renouvelle sérieusement le canon. D'ailleurs, on a déjà vu avec le film précédent une tentative d'américaniser la saga de James Bond. Ici, au moins, c'est bien plus réussi!

Enfin, l'ingrédient principal: la chanson du générique, signée Paul McCartney & Wings. Un chef d'oeuvre... mais pas le film.

Pourtant, il a des qualités: il est pour commencer assez soigné, et commence de façon assez loufoque sans en faire trop, avec trois exécutions sommaires à la Chapeau Melon et bottes de cuir (The Avengers pour les initiés), dont un assassinat à New Orleans avec une... fanfare (!), une scène dans laquelle on jurerait qu'on va croiser Patrick McNee. Sinon, Roger Moore prend ses marques, avec un humour très marqué, et cette inimitable distance par rapport aux moindres émotions... Quant à son "tableau de chasse", il s'internationalise toujours un peu plus...

Désespérément, un renard s'attaque à un poulailler, mais il ne parviendra pas à tromper la vigilance du coq de garde...

Bien que le film soit du à McKimson, le coq n'est pas Foghorn Leghorn, mais un mastar générique, bien rendu, et faisant face à un renard qui lui non plus ne me semble pas avoir fait une réapparition (pour autant que je le sache, car je ne pense pas avoir vu les 1000 film des séries Looney tunes et Merrie Melodies...)... Une bouffée d'air frais, donc, en perspective.

Comme toujours avec ces films basés sur la faim et l'inversion des rapports de force entre un prédateur et une cible, ça fait mouche... On regrettera que le renard soit un rien trop bavard cependant...

Thelonious Sphere Monk (1917- 1982) a traversé une bonne part du XXe siècle, et si il est probable qu'un grand nombre des gens qui peuplent la terre aujourd'hui ignorent son nom et sa musique, il a profondément marqué l'histoire de la musique Américaine. Il était pianiste, versé tôt dans le jazz et en particulier le bebop, cette révolution qui s'est effetuée chez les jeunes instrumentistes de la musique Afro-Américaines dans les années 40... C'est probablement parce que Monk était unique, et profondément original voire excentrique...

Le film est un portrait documentaire qui évite de ne reposer que sur des "talking heads", ces participants des programmes didactiques qui ont tout vu et tout compris, sont souvent imprécis, et disent beaucoup de choses pour peu de signification. On parle bien sûr, notamment pour situer qui était Monk, ce qu'il a appotré, et pour accompagner le flot d'images et de musique... Car pour un avant-gardiste absolu, Monk a été finalement très documenté! Il a même, le 28 février 1964, fait la couverture du magazine Time, dix ans après son ami et collègue Dave Brubeck...

Mais si entendre Monk est une expérience sensorielle assez inédite pour qui ne le connait pas, le voir n'est pas mal non plus. Le film n'est pas avare d'images, et non des moindres: le pianiste Monk en scène, bien sûr, ou à la télévision. Seul, en trio (avec la contrebasse et la batterie); en quartet (on le verra brièvement en compagnie de John Coltrane, mais faute d'images, le film fait la part belle aux extraits de prestation du quartet avec Charlie Rouse qui a couvert les années 60), voire en octet pour une tournée qui a été oubliée mais bien documentée, en particulier avec des images de répétition...

On y verra le pianiste se lever de son siège et danser d'une façon étonnante... Car Monk était dans une bulle, une bulle étonnante à plus d'un titre: car si lui tendait à rentrer dans une transe très auto-centrée dès qu'il prenait du plaisir en écoutant ses solistes*, il laissait sa musique, dont il était le plus souvent l'unique compositeur, toucher tous et tout le monde, pendant que lui, en quelque sorte, retournait sur sa planète.

On y voit aussi le quartet en 1968 (Thelonious Monk, Charlie Rouse au saxophone, le contrebassiste Larry Gales et le batteur Ben Riley) entrer en studio pour y graver des morceaux de l'album Underground... L'accueil aux stuodios Columbia par le producteur Teo Macero, les discussions entre Rouse, respecteux et tolérant, et un Monk partagé entre l'incommunicabilité absolue (il tend à parler seul) et l'espièglerie loufoque ("alors, Thelonious, je joue quoi ici? un Ré ou un Do?" "Les deux si tu veux"), et l'impression est d'assister à une forme innée de génie: car une fois jouée, même sans lui, la musique de Thelonious Monk sonne comme lui.

Il n'empêche, ce grand-prêtre excentrique, avant-gardiste, souvent présenté comme autiste en raison de son choix de peu communiquer, et surtout pas de façon prévisible, il marche dans des rues de new York, où des quidams qui le voient et le reconnaissent, le prennent littéralement dans leurs bras. Ca s'appelle de l'amour, ça... Tout comme l'amitié indéfectible de la Baronne Nica de Koenigswarter, la mécène Franco-New Yorkaise des Jazzmen (c'est chez elle que Charlie Parker est décédé en 1954, et elle a hébergé, outre Monk, Horace Silver et des jazzmen aux vies plus torturées comme Hank Mobley): cele qui lui a donné un toit lui a dédié du temps et un peu de sa fortune comme une mère se sacrifie pour un enfant... Un enfant touchant, mais génial.

Le seul moyen peut-être de s'approcher de lui un tant soit peu étant de l'écouter, Charlotte Zwerin a choisi le meilleur parti-pris: laisser parler Monk ("I'm famous... ain't that a bitch?"), laisser parler sa musique. Ces 89 minutes sont un portrait sensible, secret et unique.

*Monk a commencé à prendre l'habitude de se lever de son tabouret pendant les solos de saxophone ténor de John Coltrane, dont il appréciait l'attitude d'introspection, et les explorations modales de ses compositions. Plus généralement, il y exprimait un rapport complexe, non verbal, affectif et total avec sa propre musique, qui passait par une confiance absolue dans les solistes qu'il avait engagés... A méditer, et à rapprocher si on veut de l'atttude d'un Miles Davis qui lui sortait de scène sans autre forme de procès pour aller fumer une cigarette ou boire un verre, en laissant ses musiciens se débrouiller sans lui...